Movieslandia

Woody Allen presenta su última película, «Whatever Works»

2009-05-02T13:01:00.000-07:00

Woody Allen no para y no piensa parar. Su última película, “Whatever Works”, protagonizada por Larry David y Evan Rachel Wood, acaba de presentarse en Nueva York. Haciendo un alto en su prolongado turismo cinematográfico, el genio pródigo ha vuelto a casa, a rodar en Manhattan. Esta vez cuenta la historia de un genial misántropo neoyorquino imprevisiblemente enamorado de una encantadora palurda del Sur de Estados Unidos...hasta que aparecen los padres de la palurda y la vida de todo el mundo pega un giro copernicano. Es una comedia romántica devastadora que por momentos recuerda a un Almodóvar que supiera física cuántica.
- El protagonista de esta película, Boris Yellnikoff, dice que leer el periódico por las mañanas es deprimente y que su padre se suicidó por eso.
-Yo me deprimo cuando leo el periódico por la mañana, sí. Hace años, hablando con Ingmar Bergman, me dijo que él jamás leía el periódico por la mañana, porque eso le arruinaba el día entero. Y realmente, cuando te levantas por la mañana y lees todas esas historias terribles, una detrás de otra...Tú tienes que estar en algún sitio en media hora, tus hijos berrean y tienes que llevarles a la escuela, cuando después de lo que acabas de leer el cuerpo te pide irte al aeropuerto más cercano, coger el primer vuelo a Darfur y tratar de cambiar algo. Pero lo cierto es que lo que tú puedes cambiar es muy poco, en términos prácticos. Con lo cual lo normal es quedar deprimido y enfadado para todo el día.
-Entonces, ¿a qué hora lee usted el periódico?
-Normalmente me levanto a las seis, así tengo tiempo de despejarme y de que se me pase el mal humor antes de llevar a mis hijos a la escuela. Suelo leer el periódico alrededor de las seis y media.
-¿Ha vuelto usted a Nueva York cambiado, después de tantas películas en Europa?
-Creo que ya soy demasiado viejo para que Europa me cambie. Creo que Europa me cambió cuando era joven, las primeras veces que estuve y descubrí un mundo que no eran los Estados Unidos, con sentimientos completamente distintos hacia la cultura, el arte, el estilo de vida, donde era posible almorzar lentamente y no con un embudo, como en Estados Unidos...Es una apreciación de la vida muy distinta...A veces me arrepiento de no haber tenido el coraje de mudarme a Europa por ejemplo en 1965, después de rodar en París “What’s new, Pussycat” (el debut de Woody Allen en el cine, no aún como director sino como guionista y actor). Recuerdo a dos chicas que trabajaban en la película, en vestuario, acababan de salir de la universidad y les gustó tanto París que se quedaron a vivir allí para siempre...Yo no fui capaz de hacer eso porque era demasiado convencional, poco imaginativo, y siempre lo he lamentado. Ya de mayor le he dicho a veces a mi mujer: ¿qué tal si nos mudamos a Europa? Pero ya no puede ser, mis hijos y mis amigos están aquí...A ella le gusta ir, pasar el verano en Europa, tres o cuatro meses mientras rueda la película, pero luego siempre quiere volver.
-¿Hasta qué punto Boris Yellnikoff es usted?
-Lo es un poco, sí. Se trata de una versión muy exagerada. Por ejemplo yo sí me considero pesimista pero, aunque mucha gente me considera un misántropo, yo no creo serlo.
-¿Y tierno y romántico, se considera?
-Sí, pero mucha gente prefiere pensar que soy misántropo, nihilista o incluso un cínico. Yo más bien creo que tengo una visión realista del mundo como un sitio trágico –de eso no tengo ninguna duda-, que la gente convierte en un sitio mucho peor aún, donde casi nada es ni funciona como debería... Entonces no hay que tener miedo de probar soluciones raras o poco familiares, siempre que no hagan daño a nadie, que es lo que plantea “Whatever Works”. En la película lo planteo en el marco de las relaciones románticas pero el principio también vale por ejemplo para la presidencia de Obama y sus propuestas para enderezar la economía. Algunas de esas propuestas pueden parecer muy radicales, pero si no hacen daño a nadie y funcionan...Precisamente ahora se empieza a ver una pequeñísima esperanza para la economía....Yo creo que si seguimos así a finales de año empezaremos a ver las cosas más en positivo...
-El hecho de que esta vez su protagonista no sea un neoyorquino de gustos caros y exquisitos que vive en un fabuloso apartamento del Upper East Side, sino alguien bastante más austero, con un apartamento cochambroso en el downtown, ¿es una respuesta creativa a la crisis?
-Sí, Boris rechaza totalmente la cultura dominante, voluntariamente se aparta de lo que quieren todos los demás. Rechaza la forma de vida de Estados Unidos, por no decir que rechaza la vida en general. Si se piensa despacio, intelectualmente no hay ninguna razón de peso para vivir...La vida es dolorosa, sin sentido...¿Por qué pasar por eso? Porque hay algo en tu sangre y en tu ser que inexplicablemente te empuja a preservarte, a luchar por seguir vivo.
-Y de repente llega a la vida de Boris esa chica tan “de provincias”, y detrás de ella llegan sus padres...
-Hace años que yo quería crear un personaje verdaderamente misántropo en el peor sentido, el peor hombre del mundo, que se enfrentara a la audiencia diciendo cosas como, no sé ni por qué me molesto en hablar contigo, no os aguanto en fin, un carácter tan extremo, tan neurótico y tan desagradable que resultara divertido... Y ese carácter de repente conoce a tres personas que odian todo lo que él representa: esta gente odia a los neoyorquinos, odia a los intelectuales, odia el comunismo, hasta que vienen a Nueva York y toda su vida y sus opiniones cambian. Se convierten en gente mucho más sofisticada, liberal y abierta.
-Boris empieza siendo el Pigmalión de su novia, después el de los padres de su novia...¿para acabar siendo una especie de Pigmalión nacional? ¿Es esta la respuesta de Woody Allen a la era Bush?
-Lo cierto es que Boris no intenta cambiar a nadie, él es demasiado pesimista para ni siquiera intentarlo... Encuentra a esta chica del sur tan joven, tan guapa y tan dulce, pero sin cerebro, y él realmente no tiene ninguna esperanza de que ella progrese. Pero no le importa.
-Lo cierto es que usted acaba reconciliando esas dos sensibilidades, ¿esas dos Américas?, en la película. Boris acaba aprendiendo algo también de Melody y de sus padres...el pigmalionismo es mutuo...
-Sí, esos bárbaros sólo preocupados por las pistolas y por los concursos de belleza, que encarnan lo peor de América, vienen a NYC, la ciudad del pecado, como una visita al infierno...y acaban mostrando una cara muy distinta de ellos mismos.
-En toda la película no aparece un solo ordenador, no se ven teléfonos móviles...¿es deliberado?
-Posiblemente, porque en mi vida y en mi trabajo yo no uso ordenador. No tengo correo electrónico y escribo a máquina, con la primera máquina con la que empecé a escribir, la compré cuando tenía dieciséis años y está igual que entonces.
-¿Qué máquina?
-Es una Olympia portátil. Y está como el primer día: perfecta. La puedes tirar desde lo alto del Empire State Building y no se rompe. Sí tengo un Iphone, pero sólo porque puedo meter dentro todas mis grabaciones de jazz, entonces cuando me voy fuera ya no tengo que acarrear una tonelada de discos, tengo 500 canciones metidas ahí, me pongo los auriculares y practico con mi clarinete...
-¿Ve cómo no todo en la vida carece de sentido? Por cierto, hay quien le llama a usted el verdadero alcalde de Nueva York.
- La mejor idea para Nueva York la lanzaron hace años Norman Mailer y otro escritor, el columnista Jimmy Breslin, cuando en 1969 se presentaron juntos en una candidatura a la alcaldía: que la ciudad de Nueva York se segregara del estado de Nueva York, que la ciudad fuera un estado más de los Estados Unidos. Podría ser un estado fantástico y hay gente más que suficiente. Todos seríamos mucho más felices, la calidad de vida mejoraría mucho, se podría recoger la basura más a menudo, habría mucho más dinero para todo...No más conexión con el norte del estado, donde sólo hay corrupción y estupidez, y muy poca gente, viviendo de los impuestos que pagan los habitantes de la ciudad de Nueva York.
- Sin duda es una propuesta interesante. Pero, ¿no es también un poco egoísta?
- Qué va, somos muchos más, muchos millones más, los que vivimos en la ciudad que en el resto del estado. Los beneficios se reparten injustamente.
- Sus películas son siempre un éxito en todo el mundo. Pero yo tengo la impresión de que sus películas ambientadas en Nueva York triunfan más en Europa, y que las ambientadas en Europa gustan más en Estados Unidos. La acogida de “Vicky Cristina Barcelona” ha sido especialmente cálida entre el público norteamericano. ¿Por qué será?
- No sé...A lo mejor es debido a mi paranoia, pero en Estados Unidos yo nunca tengo la sensación de una acogida cálida. Emocionalmente cálida, por lo menos. Yo una y otra vez me he sentido salvado por el público europeo. En Estados Unidos, incluso cuando una película mía funciona bien, recauda dinero y tiene buenas críticas, la gente va al cine...con menos entusiasmo.
- Por cierto, sepa que yo soy de Barcelona y no reconozco en absoluto mi ciudad en su película. Me encanta lo que cuenta usted pero no me suena de nada. ¿A los neoyorquinos les pasa lo mismo?
-Sí, es todo una idealización, en mis películas la ciudad no intenta ser real...sino maravillosa.

Fuente: abc.es

La escena más hermosa que vi en mi vida

2009-04-04T17:57:00.000-07:00

Raleigh está recostado sobre el sofá, su mirada perdida, totalmente deprimido. Dudley lo observa sin saber qué hacer.
-¿Quiere hacer algunas pruebas en mí? -le pregunta. Raleigh apenas contesta, siquiera se mueve.
Por detrás, Richie entra al baño y cierra cuidadosamente la puerta.
Una vez dentro, se para frente al espejo. Se quita muñequeras, los lentes, su vinchita. Toma la tijera y comienza a cortarse el pelo. Cuando éste más corto, comienza a cortarse los pelos de la barba.
Para terminar con ésta, toma la espuma de afeitar y la esparce por su rostro. Sólo hace una pasada.
Se mira fijamente al espejo y susurra:
-Me voy a suicidar mañana.
La misma hoja con la cual había comenzado a afeitarse, comienza a hacerse cortes en la muñeca.
La pileta, que hasta ahora sólo estaba cubierta de pelos, comienza a pintarse de rojo.
Richie comienza a desvanecerse. Cae sentado, luego queda en el piso.
Dudley entra al baño, lo ve y grita.

Asia Argento: "No soy en la vida como en las películas"

2008-11-14T19:46:00.000-08:00

Si uno vio tres o cuatro películas con Asia Argento, vio sus fotos, está al tanto de su reputación plagada de escándalos, la escuchó hablar sin tapujos de todo en entrevistas y está al tanto de su fama de "mujer salvaje", no puede evitar acercarse a la charla con la actriz y directora italiana, hija del maestro del terror Darío Argento, con cierto nerviosismo. Sí, la entrevista es por teléfono, pero da igual.

Pero nada extraño sucede durante los 30 minutos de charla con esta multifacética artista de 33 años. Asia acaba de ser madre por segunda vez, dice que "se la pasa dando la teta" y que se lleva mucho mejor con su padre desde su nueva boda y maternidad. Dice, además, que no sale casi nunca de su casa y que no tiene planes de trabajar en los próximos meses. ¿Qué pasó con la criatura salvaje?

"Siempre sentí que estaba atrapada en la imagen de una mujer que no soy yo -dice, en inglés-. Admito que también cree esta imagen para sobrevivir, así que no tengo a nadie más que culpar que a mí misma. Pero no soy en la vida como en las películas. Y ahora todavía tengo más razones para estar feliz y salir de ese lugar".

El tema de la diferencia entreficción y realidad surge al hablar de su segunda película como directora, El corazón es engañoso, por sobre todas las cosas, basada en una novela de JT LeRoy, considerada como "no ficción", una autobiografía de la infancia del escritor. El tema es que el escritor resultó ser una farsa, un personaje inventado por una escritora (Laura Albert) y su historia era ficcional.

"No tenía idea de que era todo falso cuando leí la novela -dice sobre el filme, que narra la extraña relación de un niño con su madre y las peripecias que vive con (y sin) ella cuando sale de un orfanato-. Creía que era una historia real que le había pasado a JT. Igual, después de saber que no era cierto, la historia sigue teniendo sentido para mí, tiene que ver con la pérdida de la inocencia."

¿Cuándo te enteraste qué no era cierta?

Lo supe después de filmar y presentarla en Cannes. Yo notaba que había algo raro porque cada vez que me encontraba con JT (en realidad, la cuñada de Albert disfrazada con una peluca y un look andrógino) siempre estaba Laura con él y era ella la que hablaba. Pero es como que no quise verlo. Sentía que no hablaba con una persona sino con un grupo y había cosas que no me gustaban. JT no era cómo la idea que yo tenía, pero quise creerme la historia de la novela. De cualquier manera, no me molesta que sea una ficción. ¿Cómo puedo enojarme con alguien que quiere ser otra persona? Eso es lo que hago todo el tiempo. Uno crea a un personaje de sí mismo, lo hacemos todos.

Pero ese personaje se te pareció...

Fue un proceso de maduración. Creo que ahora no es tan así. Tal vez al casarme (con Michele Civetta) y tener a mi hijo (Nicola Giovanni nació el 15 de septiembre), la idea de la gente cambió, no sé.

¿Cómo te llevás con esta nueva maternidad? (tiene una hija, Anna Lou, de 7 años)

Mucho más relajada y menos tensa, pero es agotador. Estoy metida con todo en mi maternidad, es lo único que me importa en este momentos, toda mi ambición es estar con mis hijos. Tenía unos proyectos para filmar pero los pospuse porque ahora no estoy preparada.

En 2007, Asia fue considerada "la reina" del Festival de Cannes al destacarse en tres películas que se presentaban allí: Una vieja amante, de Catherine Breillat; Boarding Gate, de Olivier Assayas y Go Go Tales, de Abel Ferrara. En todas ellas sus personajes se caracterizan por una actitud potente, salvaje, físicamente intensa, algo que ya es acostumbrado en esta mujer que empezó a trabajar a los 9 años, con su padre, haciendo escenas no del todo recomendables para chicos de esa edad.

¿Cómo encarás tu trabajo como actriz? ¿Tenés alguna técnica o sos intuitiva?

Cada película es diferente y uno tiene que entender lo que se requiere. Uso mi cuerpo pero no tengo un técnica en particular. Es todo suerte, intuición. Es entrar en sincronía con el director, vivir el momento. Me encantaría tener un método. El único que tengo es leer el guión y llegar en horario...

Además del cine trabajás bastante en la música, como cantante, DJ, haciendo clips. ¿Pensás seguir haciendo eso?

disfruto más de la música que del cine. Tuve un período como DJ y me gustaría tener un programa de radio para pasar la música que me gusta. Cosas oscuras de blues, garage rock de los '60, psicodelia.

Siempre fuiste muy crítica de Italia y ahora volviste a vivir allí. ¿Por qué?

No creo que estemos peor con Berlusconi que antes. La gente es muy infeliz en mi país y hay muchas cosas que odio, en especial la política. Pero es mi país y lo amo por muchas razones, especialmente el sur. Hay una pasión por la vida: energía, belleza, comida, arte. Me encanta eso. Igual, llevo una vida tranquila con mi marido y con mis hijos. Salimos poco.

Tras Cannes se habla de un renacimiento del cine italiano. ¿Estás de acuerdo?

No. Hubo una gran película, Gomorra, y la otra mucho no me gustó (se refiere a Il Divo). Gomorra es una obra maestra, pero es sólo un artista que sigue su propia musa, no se trata de un movimiento. Lo que me da es un poco de esperanza de que el cine italiano vuelva a contar cosas de la realidad que nos interesa ver a nosotros pero que también sean importantes para todo el mundo.

Asia cuenta que no conoce la Argentina pero que su gran amigo Gaspar Noé siempre le habla de su país. "Siempre quiero ir, pero nunca tuve la oportunidad". dice. Se le explica que, para nosotros, "argento" es también una manera de llamar a los argentinos y Asia se ríe. "¿En serio? ¿Sabías que muchas veces se equivocan y me dicen Asia Argentino?".

Será que no conocen a tu padre... Sé que tuvieron algunas etapas difíciles, ¿cómo es tu relación con él ahora?

Ahora tenemos una gran relación. Trabajé en la anteúltima película suya (La terza Madre) y estuvimos muy unidos este año. El está muy contento con el bebé, lo adora.

En Nueva York hacen una retrospectiva tuya. ¿Cómo se siente eso a los 33 años?

Que no lo merezco, que los engañé. Ellos creen que sé algo y no se bien qué es (risas). Igual, te dan alegría esos empujones cada vez que te ves a vos misma de mala manera . Pero no creo que lo merezca. Cuando me avisaron que la hacían les dije: "Gracias, ¿pero están seguros que no se equivocaron de persona?"

[Diario Clarín]

Aaron Eckhart, amante de la conducta humana

2008-07-27T14:16:00.000-07:00

Dicen que no hay personajes ni papeles chicos, sino actores pequeños. Se trate de un rol protágonico, secundario o de una participación especial, cuando se tiene madera de actor y vis para ello, el resultado en pantalla o en escena queda totalmente demostrado.

Y es que, dicen los histriones, para muchos de ellos, lo que simplemente importa es interpretar distintos personajes, llenos de matices y fuerza. En sí, que los emocione.

Así le sucede a Aaron Eckhart, a quien le da lo mismo encarnar a un chef en la comedia romántica Sin reservas, con Catherine Zeta-Jones; que a un controvertido abogado en Gracias por fumar; o al fiscal del distrito Harvey Dent en Batman: el caballero de la noche.

El motivo, dice, es sólo uno: adentrarse en el comportamiento humano.

“Lo que disfruto más es el comportamiento humano. Evidentemente todos los personajes lo encarnan, por ello me deleito al encontrar qué es lo que hace que un personaje luzca y así lograr que el público también lo disfrute.

“Eso es lo que me gusta de la actuación. Por eso a mí cada uno de los personajes me resulta interesante”, conversa en entrevista telefónica con Excélsior desde Nueva York.

Por ello, incluso, hasta se adelanta en platicar sobre Traveling, cinta que filmó al lado de Jennifer Aniston, .

“Se trata de un filme de romance y ya se está trabajando en ello. Saldrá el próximo año y es con Jennifer Aniston. El director es Brandon Camp, quien también la escribió.

“Es sobre un asesor, un hombre que perdió a su mujer y organiza seminarios con gente de todo el país. En una de esas ciudades se enamora de una mujer, que es Jennifer Aniston. ¡Va a estar bien, va a estar bien!”, explica emocionado.

Y con ese mismo júbilo y satisfecho con su trabajo, es como dice sentirse por su papel del fiscal de distrito Harvey Dent, en la secuela de Batman, dirigida por Christopher Nolan y en la que comparte créditos con Gary Oldman, Christian Bale, Michael Caine, Heath Ledger, Maggie Gyllenhaal y Morgan Freeman.

“Siento que cumplí con mi trabajo y contribuí a la película de una manera que me hace sentir bien con los resultados. Considero que es una cinta muy buena. Es uno de esos filmes sensacionales basado en un cómic. Me parece que es una aventura fantástica. ¿Qué puedo decir? ¡Me siento muy feliz!”, subraya Aaron, de 40 años.

Dentro de las cintas que se han filmado del hombre murciélago, Harvey Dent, quien se convierte en Dos caras, ha sido interpretado por Tommy Lee Jones, en Batman eternamente, de Joel Schumacher.

Sin embargo, Eckhart no tuvo dificultad alguna para realizar su actuación, ni se basó en el personaje que había hecho el actor de Los tres entierros de Melquíades Estrada.

“Sí la vi antes (la cinta de Schumacher), pero realmente pensé que el Batman de Chris Nolan, el caballero de la noche, era muy distinta. Obviamente tenía un tono muy diferente y el guión era sensacional. Entonces no sentí la necesidad de involucrar a nadie más en mi decisión, con excepción de Chris Nolan. Lo que se busca es encontrar un tono que vaya bien con el resto de la película, con los otros personajes y con la forma en que son interpretados, si es más grande o si es demasiado pequeño.

“De lo que se trata es de encontrar el tono adecuado. Hablamos de eso y llegamos a la conclusión de que Harvey Dent tenía que estar en esto. Pero cuando ves lo que hace este personaje tienes que asegurarte de que todo funcione bien dentro del conjunto”, comenta el nominado a un Globo de Oro por el filme Gracias por fumar.

Para preparar su personaje, Eckhart y Nolan compraron los cómics, hecho que les fue de gran ayuda, pues en ellos hay demasiada información sobre los personajes centrales y los alternos.

“También hice mi propia investigación de las cosas que me parecieron importantes como las lesiones, la sicología, ese tipo de cosas. Además Chris había escrito un guión tan bueno y tan complejo que nos pusimos a trabajar con él.

Hijo de un ejecutivo de sistemas y de una escritora de libros para niños, Eckhart reconoce que Nolan es un maestro de la dirección fílmica, de personalidad dulce y con una palabra amable que siempre sale de su boca.

Durante el rodaje se divirtió mucho. Incluso, tuvo que pedirle a su director que mirara para otro lado antes de empezar una escena, pues terminaba por reírse.

El Guasón y Dos caras son dos de los “chicos malos” que se enfrentan a Batman, interpretado por Christian Bale, en la cinta de Nolan.

Y sin problema alguno, Eckhart reconoce que El Guasón, encarnado por el fallecido Heath Ledger, es el motor y la energía de todo lo que sucede en Batman: el caballero de la noche.

“Desde que leí su descripción la primera vez pensé: ¡wow!, realmente tiene un gran papel en la película. El guión de su personaje está tan bien escrito, que resulta sumamente delicioso para un actor.

“Además él lo interpretó de una manera que nadie habría podido imaginar, porque llena de energía a cada uno de los otros personajes. Así es como está escrito en el guión, por eso pienso que esta película es de él. Y me parece que Chris realmente maneja todo súper bien”, enfatiza.

Sin embargo, reconoce que la maldad de El Guasón, a diferencia de la de Dos caras, es totalmente irracional.

“No tiene ningún plan, ni ninguna razón para hacer algo y eso es precisamente lo que lo hace tan emocionante, pues rompe cualquier convención del pensamiento humano. De hecho, creo que Harvey trabajó con él porque es un idealista, una persona a quien le gusta la justicia. Él cree en la ley, tiene una estructura.

“Y eso es lo que hace el contraste con el Joker, porque aquí de lo que se trata es de la existencia de una estructura contra la ausencia de ella”, expresa Eckhart, para añadir que le gustó trabajar con Ledger, a quien, como a él, le gustaba la música y la fotografía.

Así, con la seguridad de que interpretar diferentes personajes le emociona y es un reto para él, Aaron Eckhart continuará.

La típica descarada que se desnuda

2008-07-17T23:12:00.000-07:00

Inocente pequeña arribista enceguecida por el universo de las apariencias y manipulada por un escritor sexópata, Ludivine Sagnier abraza una vez más el papel de la seductora fatal en Una mujer partida en dos, de Claude Chabrol, y esto la sorprende.

"Cuando comencé en el teatro, me hacían hacer los papeles de la mucama. No entiendo por qué, desde entonces, me imaginan como tal. Mi físico es muy convencional. No bien me maquillo me convierto en calabaza. Algún día se darán cuenta de que es nada más que una pose".

De todos modos, desde su primer papel importante en 2000, en Gotas que caen sobre rocas calientes, Sagnier se impone como una rubia traviesa. Epoca de intrepretar a una malvada en Ocho mujeres, a una sexy en La piscina y a una tentadora lolita en La pequeña Lili, de Claude Miller. "Terminaron por proponerme nada más que papeles acordes a esta imagen. Hice una pausa y rechacé todas las ofertas de la típica descarada que se desviste".

Nacida en 1979, con un padre que se desempeñaba como alto funcionario, Ludivine Sagnier debutó a los 9 años en Les maris, les femmes, les amants (Maridos, mujeres, amantes), de Pascal Thomas. Y todo fue de casualidad. "Había acompañado a mi hermana Delphine a un casting y me contrataron a mí..." recuerda. Sagnier hizo cursos de teatro en Sevres, en el conservatorio de Versalles, interpretó obras de Oscar Wilde y participó de varias películas para la televisión y trabajos chicos para el cine, además de doblajes (la voz francesa de Natalie Portman en El perfecto asesino de Luc Besson, por ejemplo).

Lanzada realmente por Ozon, su Pigmalión, encarnó desde entonces al hada Clochette en un Peter Pan americano y comenzó luego "a envejecer en el cine, a quemar las pistas". Hizo de sonámbula en Une aventure, de Xavier Giannoli, de pícara enamorada fallecida en Les chansons d'amour, de Christophe Honoré. La veremos también en la reaparición de Un secreto, de Claude Miller, en donde interpreta a una esposa judía abandonada.

Actualmente filma L'ennemi public nø 1, de Jean-Fran»cois Richet, una película sobre Mesrine, en donde hace de Sylvia Jeanjacquot, última compañera del truhán. "Interpretar a la mujer de un gángster es como ser ¡un fantasma! Yo la veo como una mujer cariñosa y abnegada, que está muy expuesta a la hostilidad de gente que está fuera de la ley (...) No deseo juzgarla sino ser sincera...".

Sus directores elogian su moral, su sacerdocio. Sagnier confiesa que su temperamento es el de "un pequeño soldado. Si caigo, me levanto, y siempre creo en las cosas". A Sagnier le encanta, según admite, sentirse "como sacudida por la mirada de un cineasta". Elige sus papeles con exigencia y rechaza la idea de tener demasiados proyectos.

2008-07-13T20:55:00.000-07:00

Todo es oscuro en Batman, el caballero de la noche, la nueva película del personaje insignia de DC Comics, una franquicia que ha demostrado una extraordinaria capacidad para ser destruida, renovada, vuelta a descuartizar y regenerada. Y todo de nuevo, otra vez. Ha habido películas buenas, regulares y catastróficas; ha sido serie de TV deliciosamente pop y dibujo animado calamitoso; ha dado lugar a unas páginas gloriosas y a otras olvidables de la historia del cómic. La gloria o Devoto (o, mejor dicho, Arkham Asylum): así son las cosas con Batman.

Pero esta nueva película no es apenas un nuevo eslabón de una larga historia. Es otra cosa: es la media medalla (milagrosa) del personaje. La recuperación desde el título mismo de la idea del dark knight, de ese guardián noctámbulo, acerca el cuento tanto a su nacimiento a fines de la década del 30 como a su refundación de 1986, según las ideas y las tintas de Frank Miller, que imaginó al Hombre Murciélago como un jubilado lóbrego e irresponsable en la extraordinaria serie de historietas El regreso del Caballero Nocturno.

Batman, el caballero de la noche vuelve a reunir al director Christopher Nolan (Memento) con el actor Christian Bale (American Psycho), la misma dupla por detrás de Batman inicia, el film de 2005 que ya había sido saludado como un nuevo comienzo para el personaje (cosa que anunciaba, también, desde su propio título). Lo cierto es que a la vista de esta segunda parte, aquel “inicio” parece más bien un precalentamiento, un partido amistoso, detalle que tiene mucho que ver con el encanto del personaje: sus ciclos no son previsibles, Batman puede renacer cuando ya nadie da por él dos centavos de dólar, puede hacerlo en la segunda película de una serie o en un pequeño tomo de 50 páginas de cuadritos dibujados, perdido entre toneladas de aventuras “oficiales” (Batman/Planetary: noche en la Tierra).

En su reseña de la película (que se estrena el jueves en la Argentina, un día antes que en los Estados Unidos), Richard Corliss, crítico de la revista Time, sintetiza el film en una escena en la que se ve a Bruce Wayne (o Bruno Díaz) vestido con su traje de Batman, encaramado en lo alto de un rascacielos, mirando a Ciudad Gótica allí abajo; de repente da un salto, despliega las alas y se tira en palomita (o en murcielaguito) hacia la noche. “Su trayectoria –arriesga Corliss– es también la del film: traza un descenso hacia una anarquía moral, camino en el que cada uno de los personajes está llamado a tocar fondo. Algunos no habrán de recuperarse jamás, tras haber sido quebrados por el mal o haber encontrado la maldad en ellos mismos, como una infección fatal”.

Los superhéroes, se sabe, son carne de metáfora. Simbolizan todo lo que haga falta: casi cualquier realidad puede ser leída a la luz de los ecos de sus aventuras. Casi siempre son utilizados como prisma para alumbrar cuestiones políticas, conflictos sociales o sirven de caja de resonancia para diversas intimidades. Incluso el Metropolitan Museum of Art de Nueva York le sumó una nueva dimensión a las posibilidades alegóricas de los encapotados con la exposición Superheroes: Fashion and Fantasy, colgada ahora mismo de sus prestigiosos muros, y definida en ese sentido por su curador Andrew Bolton: “Los superhéroes son una metáfora de la moda, ya que comparten una obsesión por el cuerpo, su identidad y la transformación. Constantemente redefinidos y rediseñados de acuerdo con los cánones populares de belleza, ellos personifican lo superlativo”.

Por un lado, allí saltan a la vista las influencias de los superhéroes en los diseños de las firmas top y por otro se patentiza la apropiación que el arte viene haciendo de los héroes de historietas, pero además se va dibujando una geografía casi emotiva del atavío como blindaje para las batallas del día a día, como marca de identidad cotidiana, como refugio.

Hacia allí apunta también el ensayo del escritor Michael Chabon que se incluye en la muestra, un texto titulado “Secret Skin” en el que puede leerse: “En teoría, el uniforme forma parte de una estrategia de ocultamiento. Pero en los hechos a menudo funciona como una suerte de pantalla mágica sobre la que una narrativa reprimida puede ser proyectada. No importa la pericia con la que él o ella oculte sus rastros, la narrativa secreta de la transformación, del renacimiento desde los confines de lo ordinario, está dada por ese atuendo”.

Si los superhéroes en general son capaces de convertirse en metáfora de casi todo, Batman, ese señor que es poderoso sin tener superpoderes, que supo pasar del camp colorido de los 60 a las oscuridades de fines de los 30, y de ahí saltar a las más cándidas de los 80 y de allí reconstruirse asomado a los abismos actuales, responde como ningún otro encapotado a unos ciclos políticos bien definidos. El Batman de Tim Burton se estrenó en junio de 1989, apenas terminado el doble mandato de Ronald Reagan al frente de la presidencia de los Estados Unidos, mientras que éste de Nolan llega al borde de la finalización de otro doble período republicano en la Casa Blanca, el de Walker Texas Ranger Bush.

Tanto la historieta de Miller como esta película de Nolan, presentan a Batman como un personaje de alta complejidad, ora aclamado por el pueblo por reponer el orden en Ciudad Gótica, ora resistido por sus métodos violentos; y al Guasón como una amenaza bastante fácil de leer a la luz de la paranoia post 11-S, un villano convencido de sus actos y sin nada que perder. Son dos personajes que se necesitan, que funcionan en tándem, que pueden sobresalir sólo gracias al otro. En la historieta de Miller hay un psicoanalista de apellido Wolper, que directamente culpabiliza al Hombre Murciélago por los actos de sus enemigos: “Batman es el culpable de los crímenes que combate. El modelo psicótico-sublimado y psicoerótico de Batman es como una red. Los neuróticos débiles se ven arrastrados a corresponder ese modelo. Así, se puede decir que es Batman quien comete los crímenes, usando a los supuestos villanos como proyección narcisista”. Miller lleva tiempo ya anunciando su Holy Terror, una historieta en la que Osama bin Laden amenaza con atacar Ciudad Gótica, para lo que, claro, deberá enfrentarse con la máxima autoridad local, el señor Batman.

Justo ahí se concentran las oscuridades de este Batman: no en la pintura de Ciudad Gótica como una trama mafiosa sin posibilidad alguna de compostura, no en su retrato de la corrupción policial y la desidia política, no en los crímenes del Guasón ni en el carácter sombrío del superhéroe, sino en la naturalidad del cuento y la transparencia de sus resonancias. Un párrafo de la crítica firmada por Justin Chang en Variety, la revista de la industria de Hollywood, deja claro que los Estados Unidos son potencia en muchas cosas, pero no precisamente en materia de superyó: “Astutamente, la película posiciona al Guasón como el equivalente a un terrorista moderno (uno de los múltiples significantes post 11-S), que sólo va a suspender su amenaza sobre los civiles de Ciudad Gótica a cambio de que Batman revele su identidad. El héroe, el jefe de policía y el fiscal incorruptible unen sus fuerzas, pero el Guasón siempre parece ir un paso adelante. La ciudad, vuelta en contra del héroe en el que alguna vez buscó esperanzas, luce más rebelde, más vulnerable, más peligrosa que nunca”.

También allí Batman, el caballero de la noche se transforma en una película grande, tal como lo sigue siendo en el terreno del cómic el Dark Knight Returns de Miller: su oscuridad admite todos los grises de la paleta Pantone y más, no pone nada en blanco sobre negro, molesta, incita, desnuda. Son dos horas y media de entretenimiento perfecto (por el director y su precisión, por un cast disfrutable en cada secuencia, por un personaje que no se gasta nunca), más un rato largo de efectos secundarios: este Batman (lo mismo que el tremendo Guasón de Heath Ledger) no inicia nada; este Batman brillante-mente-oscuro, perturba y encandila.

Las mejores aventuras del Batman moderno en papel. ¡Santas historietas!

Cualquier superhijo de vecina (del Parque Rivadavia, esa hoy vencida Torre de Babel de los cómics) sabe que el arte de andar leyendo las andanzas de un bienhechor wagneriano que se viste de murciélago y subemplea a menores de edad es, como el jazz o el western, un gusto adquirido. Frente a casi setenta años de cronología interna y hectáreas de batiaventuras, otros mundos y un millón de callejones servidos, ¿cuál de los sabores artificiales en que supo transformarse el encapotado de Ciudad Gótica (el anti-Superman, el camp Adam West, el realista y el posmoderno-que-procesa-a-sabiendas-todo-su-pasado-editorial) puede encantar al paladar no familiarizado con el género que le costó la vida a Krypton?

Abandonar el batianalfabetismo implica asumir dos verdades del tamaño de Hulk y responder a una pregunta fundamental…

Verdad 1) Genérica: los superhombres de hoy funcionan gracias al revisionismo canchero y nostálgico del pasado del personaje. Verdad 2) Más cercana a nuestra cruel realidad: ¡la ausencia de ediciones locales y los sobreprecios de las importaciones! Pregunta fundamental: ¿están listos para otra defensa del género y los batilugares comunes que utiliza a la santísima trinidad revisionista de los 80 (las autoconscientes e imprescindibles Batman: año uno, El regreso del Caballero Nocturno y La broma asesina) como excusa para llegar a la conclusión de que “los superhéroes no son sólo para niños”?

¡Claro que no!

Una alfombra roja para el no creyente es El largo Halloween (Norma), obra cumbre de la dupla Jeph Loeb y Tim Sale, que cruza en plan molotov-contra-una-vidriera al equipo titular de archivillanos (Joker y pandilla) con un Batman novato, tatuado por los lápices de Sale como casi ningún otro en la historia del personaje. Puro clasicismo reinventado. En la vertiente lollipop, celebración del Batman naif y diurno de los 50, el must es la reedición en edición de lujo en inglés (que cuenta con varias versiones en castellano) de World Finest: hedonista, un poco exagerada, preciosa en su diseño visual (lápices de Steve Rude) y enamorada (y que busca enamorar) de esas aventuras que salían diez centavos hace ya varias décadas. En el otro extremo cromático, puros blancos y negros, está Batman: blanco y negro, una antología de historias cortas donde los grandes valores del medio (Moebius, Katsuhiro Otomo “el de Akira”, José Muñoz, Neil Gaiman) utilizan como excusa a Batman para demostrar (¡oh, sorpresa!) que el cómic también tiene sello de autor. Para cierre, ¿qué tal un cómic que combine todo aquello que puede hacerse, todo lo que se hizo (batirrepelente de tiburones incluido) y probablemente todo lo que alguna vez se hará con Batman en tan sólo cincuenta páginas?: Batman/Planetary: Noche en la Tierra es el homenaje del guionista Warren Ellis y el dibujante John Cassaday a aquello que convirtió a Batman no sólo en nuestro personaje favorito, sino en un sujeto capaz de darle a Superman la tunda de su vida.

Tarantino quiere a Brad Pitt para ‘Inglorious Bastards’

2008-07-10T09:31:00.001-07:00

El filme ‘Bastardos sin gloria’ o ‘Bastardos vergonzosos’, en fin ‘Inglorious Bastards’, podría tener en el papel de lider a un actor que es tan difícil de calzar en la filmografía de Tarantino como a Chuck Norris en un desfile del orgullo gay (sin ánimo de ofender).

El amigo Quentin quiere tener como protagonista de esta cinta a Brad Pitt, con el que incluso se ha puesto en contacto para hacerle una oferta, suponemos sustanciosa dado el caché del objetivo deseado. Salvo que mi memoria me falle, Brad no tiene en su currículum película alguna ambientada en la Segunda Guerra Mundial con papel principal, así que Tarantino le daría la primera oportunidad de dar vida al alma mater de un grupo de soldados aliados que transporta a criminales hacia su ejecución y que es objeto de una emboscada por parte de los malvados nazis.

Sin embargo, Quentin tiene que salvar un ’pequeño’ inconveniente, crucial para que este proyecto salga adelante, y poder tener en sus filas a una joya comercial del tamaño de Pitt: pasta, pasta y más pasta. En principio, la producción iba a ser llevada por The Weinstein Company, con proyección de filme independiente, pero con las exigencias del susodicho director, que incluyen el capricho rubio citado, y la intención de sacar dos películas de su guión de más de 600 páginas, tener dinero a palas es un ‘detallito’ a tener en cuenta.

En la búsqueda de ese vil metal, Tarantino se ha ofrecido al mejor postor de entre los siguientes grandes estudios cinematográficos: Paramount, Universal, Warner y Sony. Su intención es empezar a rodar en octubre próximo y estrenar la primera entrega en mayo de 2009 en Cannes, así que está esperando en la salita de su cuarto de estar, sin despegarse de la mesita del teléfono, a que le llame el estudio más interesado por la producción; así que está terminantemente prohibido llamar al número de Quentin que es el 555 … .

Dos películas para Tarantino

2008-06-29T19:47:00.000-07:00

"Inglorious Bastards" es el nombre del nuevo proyecto de Quentin Tarantino, que según anunició el cineasta tendrá dos partes.

Así, el director opta por el mismo modus operandi que ya empleó en "Kill Bill", la cinta de acción protagonizada por Uma Thurman.

Tarantino anunció al noticia a raíz del lanzamiento en DVD de "Inglorious Bastards", el clásico bélico de Enzo Castellari del que toma nombre el nuevo film que estará ambientado en la Segunda Guerra Mundial.

El director de Tiempos violentos confesó que dividirá en dos partes la película ya que mientras se documentaba sobre el conflicto para escribir el guión, en el que lleva trabajando más de seis años, reunió tanta información que no podía para de escribir y se juntó con unas 600 páginas de guión.

Christopher Lee volvería a ser Saruman en 'El Hobbit'

2008-06-05T09:03:00.000-07:00

Se trata de la secuela de 'El Señor de los Anillos' que dirigirá Guillermo del Toro y que tendrá dos entregas que se estrenarán en diciembre de 2011 y 2012 y comenzarán a rodarse a finales del próximo año en Nueva Zelanda con Peter Jackson como productor ejecutivo.

"Sí, por supuesto que repetiría el papel si me lo ofreciesen", afirma de manera tajante el actor que, en una entrevista concedida a la revista 'Empire' recogida por otr/press, se confiesa un auténtico fanático de la obra de J.R.R. Tolkien que ha leído "una y otra vez". Lee subraya que, en la historia, Saruman el blanco es uno de los cinco Istari, magos "prácticamente inmortales que viven miles de años" y que fueron enviados a la Tierra Media para luchar contra Sauron, el Señor Oscuro.

En cuanto a los otros, el actor demuestra que es un profundo conocedor de la obra de Tolkien y señala que "dos de ellos nunca aparecen, aunque conozco sus nombres" y los otros dos eran el mismísimo Gandalf, uno de los protagonistas principales de la trilogía al que daba vida Sir Ian McKellen, y Radagast el Marrón "aunque este último tampoco llega a aparecer".

"Cuando comienza la historia Saruman era el más noble, el más respetable, el más valiente y el más confiable de todos ellos, era el número uno", señala Lee que recuerda el papel del traidor Saruman en la trilogía del anillo trabajando al servicio de Sauron. "Pero en algún momento, que todavía no se ha explicado hasta ahora, él cambia probablemente porque cree que puede hacer lo mismo que Sauron y convertirse él en El Señor de los Anillos".

La transformación del mago blanco

Y precisamente esta transición del bien al mal, explicar como Saruman se dejó seducir por las sombras es lo que hace a este personaje "muy interesante" y una de las razones por las que Lee está loco por retomar el papel. Habrá que ver qué opina Del Toro ya que hay que recordar que Lee se negó a participar en 'Hellboy II' para dar vida al Rey Balor.

Aunque puede que estas rencillas se queden en nada ya que tanto Del Toro como Jackson han dicho ya en varias ocasiones que su intención es contar con los actores que participaron en la trilogía. De momento solo están confirmados Ian Holm como el viejo Bilbo, Ian McKellen, que repetirá como Gandalf, y Andy Serkis, que hará lo propio encarnando a la criatura Gollum.

Otros como Viggo Mortensen (Aragorn) y Cate Blanchett (Galadriel) ya han dicho lo mismo que Lee, es decir, que estarían encantados de volver a la Tierra Media y solo esperan la llamada de Jackson y Del Toro. Pero el reparto de la cinta no estará cerrado hasta dentro de al menos un año, cuando el guión de 'El Hobbit', cuya primera entrega se estrenará en diciembre de 2011, esté finalizado y comiencen los trabajos de pre-producción en Nueva Zelanda.

Sigue suspendido el rodaje de Tetro

2008-05-30T19:45:00.000-07:00

El rodaje de "Tetro", la más reciente película de Francis Ford Coppola, continúa suspendido por un conflicto con el gremio de actores de Argentina,informó un portavoz de ese sindicato.

Sin embargo, la agente de Coppola en Estados Unidos, Kathleen Talbert, negó que exista una interrupción de la filmación y problemas con el contrato de los actores.

La Asociación Argentina de Actores (AAA) suspendió el rodaje luego de que la productora del realizador estadounidense, Zoetrope Argentina, no presentó los contratos de los actores argentinos que participan de la cinta.

Pese a que Zoetrope finalmente presentó los contratos, la suspensión continúa. "Nuestros abogados están confeccionando, junto con la productora, un documento en el que ésta se compromete a respetar las pautas del convenio, dado que los contratos presentados son inválidos porque contienen cláusulas que no se ajustan al convenio", explicó a la AP Carlos Groba, de la secretaría gremial de la AAA.

"Si la productora se compromete a regular los contratos según la ley argentina, se levantará momentáneamente la suspensión del rodaje hasta tanto entregue los nuevos contratos", añadió.

El cine llora a Sydney Pollack

2008-05-30T19:35:00.001-07:00

El director Sydney Pollack, quien ganó un Oscar por producir y dirigir la película "África mía", murió el lunes 27 a los 73 años tras luchar contra el cáncer, dijo su portavoz.

Durante una carrera variada que se extendió durante casi medio siglo, Pollack dirigió a estrellas como Barbra Streisand y Robert Redford, Tom Cruise y Dustin Hoffman.

El realizador, de gran estatura y pelo rizado, comenzó su carrera como director de televisión y de actores para luego centrarse en producir y actuar en sus últimos años.

Fue candidato al Oscar a mejor película este año por producir el thriller "Michael Clayton", en el que tenía un papel secundario de abogado. También interviene en la comedia aún no estrenada "Made of honor", en la que interpreta al padre del actor Patrick Dempsey.

Las últimas realizaciones de Pollack fueron el thriller de 2005 "La intérprete", con Nicole Kidman y Sean Penn, y el documental de 2006 "Apuntes de Frank Gehry", sobre el famoso arquitecto.

Vuelve la peor película de todos los tiempos

2008-05-29T21:38:00.000-07:00

Así fue designada por diversas votaciones, y alcanzó su momento de mayor gloria cuando, hace una década, Tim Burton la homenajeaba en su magistral Ed Wood: Plan 9 del espacio exterior, una de las cumbres del cine casposo, está a punto de cumplir cincuenta años y tendrá una nueva versión para celebrarlo.

Efectivamente Vampira, Bela Lugosi y el resto de los abnegados actores que acompañaban a Wood en sus descabellados proyectos podrían tener sustitutos si, como parece, el remake llega a filmarse.

El argumento de la película es conocido: unos alienígenas vienen a la Tierra para, reanimando cadáveres, acabar con los humanos y apoderarse de nuestro planeta. Pero la película es recordada, por supuesto, por sus imposibles efectos especiales, pésimas interpretaciones y diálogos sin demasiado sentido.

¿Quién puede atreverse a rodar de nuevo ese disparate? El director John Johnson, autor de Shadowhunters, ha mostrado su entusiasmo, asegurando además que la película no será una parodia sino algo "realmente aterrador". Para ello cuenta con las actuales tecnologías, el mismo entusiasmo que Wood y, por supuesto, una perfecta guía de cómo no hacer una película con sólo ver la película original.

Mark Ruffalo y Amy Adams protagonizarán "Greenburg", lo nuevo de Noah Baumbach

2008-05-22T10:59:00.000-07:00

Aunque no se ha confirmado ninguna fecha de inicio, todo apunta a que el rodaje comenzará a finales de año. Sobre el argumento, nada de nada, aunque The Hollywood Reporter indica que será una comedia dramática centrada en las relaciones de pareja.

Rudin ya produjo el anterior trabajo de Baumbach, "Margot y la boda", aún pendiente de estreno en nuestro país (llegará el próximo 20 de Junio). Baumbach ha colaborado recientemente en la escritura del libreto del nuevo film de Wes Anderson, "The Fantastic Mr. Fox", adaptación de la novela de Roald Dahl, una cinta de animación que contará con las voces de George Clooney, Bill Murray, Cata Blanchett, Jason Schwartzman y Anjelica Huston.

Frases de Woody Allen

2008-05-09T09:58:00.000-07:00

"El sexo sin amor es una experiencia vacía. Pero como experiencia vacía es una de las mejores."

"En realidad, prefiero la ciencia a la religión. Si me dan a escoger entre Dios y el aire acondicionado, me quedo con el aire."

"El dinero no da la felicidad, pero procura una sensación tan parecida, que necesita un especialista muy avanzado para verificar la diferencia."

"El amor es la respuesta, pero mientras usted la espera, el sexo le plantea unas cuantas preguntas."

The Dreamers

2008-03-30T10:21:00.000-07:00

Inusualmente para un film acerca de la obsesión, la pasión y el abanico de posibilidades, THE DREAMERS es un proyecto que casi es una realidad por casualidad. En un primer momento, no logró atraer suficiente interés, y jamás se hubiera concretado en las manos de otro director. Cuando “The Holy Innocents”, la novela de Gilbert Adair publicada en 1988, llegó a conocimiento de Bernardo Bertolucci, el director estaba sopesando muy detenidamente qué proyecto afrontar próximamente, mientras se adentraba en esta historia introspectiva de un ménage a trois con sentimientos encontrados que transcurre en medio de los disturbios del París de 1968. Este italiano nacido en Parma, que se autoconfiesa francófilo, se siente muy próximo a los hechos de aquel año turbulento, y tenía sus dudas acerca de trasladarlos a la pantalla por miedo a empequeñecer tanto su propia experiencia como la de los otros. «He realizado muy pocas películas en mi vida» —nos dice el director de filmes tan galardonados como THE LAST TANGO IN PARIS (EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS, 1973), THE LAST EMPEROR (EL ÚLTIMO EMPERADOR, 1987), e IL CONFORMISTA (EL CONFORMISTA, 1970)— «porque cada largometraje es en verdad una parte de mi propia vida.»

Efectivamente, por el tiempo en que el libro de Adair cayó en sus manos, estaba considerando muy seriamente la idea de una secuela del tipo de su épica obra maestra NOVECENTO (NOVECENTO, 1976) que resiguiera en paralelo las vidas de un granjero y de un terrateniente hasta 1945. «De hecho, mi intención era llegar hasta el fin del siglo» —nos dice el director, que estaba pensando en incluir el París del 68 como uno de los aspectos del film—. «Pero entonces pensé “Seamos realistas. ¿Qué había detrás de NOVECENTO? Una enorme esperanza política, y hoy en día no me parece ver nada parecido, por lo que lo dejé correr.»

Sin embargo, el libro de Adair le rememoró algunos momentos maravillosos. «De hecho, no trata tanto de los hechos del 68, los disturbios y la violencia» —continúa—«como del espíritu del momento.»

Para Bertolucci, un viejo poeta cuyo amor por las películas se forjó con el cine francés de los años 30 y que aumentó con los directores de la Nouvelle Vague de los últimos años 50 y los primeros de los 60, aquel espíritu contenía una vertiginosa mezcla de elementos. «En los 60 había algo absolutamente mágico» —rememora—, «en el sentido que estábamos... bien, permitámonos emplear la palabra ‘soñando.’ Estábamos fusionando el cine, la política, el jazz, el rock’n’roll, el sexo, la filosofía, la droga... y yo estaba devorándolo todo en un estado de permanente éxtasis.»

Inspirado por la novela, Bertolucci se la pasó a su productor de muchos años, Jeremy Thomas, a quien conoció a principio de los 80 y con quien trabaja desde EL ÚLTIMO EMPERADOR. «Él había estado flirteando con la idea de realizar un largometraje ubicado en París y que transcurriera en los 60 en parte del metraje» —aclara Thomas—. «Hizo diversos intentos sin resultados satisfactorios, y finalmente me dijo ‘Me gustaría que leyeras algo…’ Y me pasó el libro de Gilbert, lo leí y le dije ‘Bueno, esto podría convertirse en una película muy evocativa.’ Dado que ésta sería mi quinta colaboración con Bernardo, me pareció fantástico hacer un film que aconteciera en París junto al hombre que ha dirigido en aquella ciudad títulos como EL CONFORMISTA y EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS. Así que me dije, ¿Y por qué no hacer un tercer título allí?»

Así las cosas, Thomas telefoneó al agente de Adair. Y es muy probable que si la llamada la hubiera hecho cualquier otro, la respuesta hubiera sido un rotundo “no”. Insatisfecho con el libro, surgido en alguna medida a partir de la experiencia personal, Adair ya había rechazado varias propuestas potencialmente lucrativas de otros productores, no hallándose entre las causas menores de esta actitud el hecho del gran éxito de crítica conseguido con la adaptación cinematográfica de su novela “Love And Death On Long Island.” De hecho, le había pedido a su agente que no le llamara si alguien más insistía. «Simplemente, era muy frustrante» —dice el autor—. «Así que mi agente dejó de llamarme al respecto; pero un buen día reincidió. Me dijo ‘Me atrevo a proponértelo porque es algo especial, se trata de Jeremy Thomas y Bernardo Bertolucci.’ He de confesar que no pude resistirme a tal tentación. Ahora, dado que la novela versa sobre las películas, la política, y el cine en sí mismo, puede parecer obvio que es un tema para la pantalla, y esa es la razón por la que tantos productores se interesaron; sin embargo, me pareció que era particularmente adecuado para alguien como Bernardo. Todo apuntaba a que se trataba de una temática y preocupaciones que reconocía en los propios filmes del director.»

Con la contribución de Bertolucci, Adair se dispuso no sólo a rescribir el guión, sino también a hacer lo mismo con su novela con miras a una nueva edición, pero admite que «no es igual a la película. No me parece una buena idea que una novela y una película sean gemelas.» Aunque el director y el guionista no se conocieron en los 60, se hacía evidente que sus experiencias eran extraordinariamente similares. Igual que Bertolucci, Adair llegó a París tan pronto como pudo. «También era un francófilo» —dice—, «y nada más salir de la universidad, sentí la necesidad de irme a vivir a París. De hecho, a veces digo que soy francófilo incluso en Francia, lo que es la piedra de toque.» «Bertolucci había llegado unos cuantos años antes, tras su debut cinematográfico en 1962 y cuando ofreció su primera interviú, le dijo al periodista ‘Si no tiene inconveniente, me gustaría hacer la entrevista en francés.’ El reportero le respondió ‘¿Por qué? Si aquí todos somos italianos.’ Y el director le replicó ‘Parce que le français, c’est la langue du cinéma.’ —ríe mientras lo recuerda—. «Es decir» —traduce—, «el francés es el idioma del cine. El cine habla en francés.»

Gilbert Adair estaba en París cuando Henri Langlois, director de la Cinémathèque Française, fue cesado, lo que fue entendido como un insulto por parte de los cinéfilos y los estudiantes de cinematografía que se amontonaban para poder ver sus proyecciones de películas insólitas. Airados con el gobierno, esta gente tomó las calles, en un primer momento para defender a un hombre, pero luego en reivindicación de muchísimo más. «Se trataba de un hecho de la máxima importancia que acontecía en París» —explica Adair—. «Era la primera vez que los jóvenes habían desafiado al Estado, y en realidad habían ganado, porque Langlois fue readmitido. Mucha gente ha sostenido que aquello fueron los prolegómenos a los altercados del mayo del 68; en cierto sentido, era como el asesinato del Archiduque Franz Ferdinand en los albores de la Primera guerra mundial. En el aire se extendía el espíritu de rebeldía y entonces, súbitamente, estalló todo. Yo estaba allí por todo eso; unos años más tarde, quise escribir sobre la experiencia. No pretendía una novela autobiográfica y, ciertamente, “The Holy Innocents” no lo es, pese al hecho de que hay elementos autobiográficos; es más bien algo acerca de un periodo que marcó mi vida para siempre.»

Sin embargo, la película sólo se aproxima tangencialmente a los elementos históricos de aquel singular tiempo. «Es la historia de tres jóvenes en 1968» —dice Thomas, que por aquel entonces trabajaba con Ken Loach en los Estudios Pinewood—, «y en aquellos días, París era un semillero para infinidad de idealismos: políticos, de estilos de vida, de cambios de moralidad... Me pareció un periodo fascinante del que hacer un film. Fue un tiempo poderoso, incluso en Londres, cuando yo contaba 19 años, pero no fue tan intenso como en París.»

Adair asegura que no se trata de una lección de historia. «Más bien es una pieza de cámara» —continúa—, «pese a que en cierto momento del metraje la historia —los hechos del mayo del 68— irrumpe en sus vidas: un joven norteamericano que estudia en París entabla amistad con dos hermanos franceses, chico y chica.»

Bertolucci nos dice: «Todo empieza en París, en cierto día concreto, cuando nuestros “héroes” se conocen. Los padres de los hermanos se han ido de vacaciones por un mes, así que se encierran en la casa. Y entonces desarrollan esa relación tan intensa, una auténtica iniciación, a lo largo de aquellos pocos días. Permanecen encerrados, y cuando salen, son adultos. Han madurado.»

«Se trata de un viaje de descubrimiento, el suyo» —añade Adair—. «Trata de primaveras: la primavera de París, la primavera del despertar político de esa ciudad, y la primavera de los cuerpos de estos jóvenes. Cuanto acontece en el interior del apartamento parece reflejar, en cierto sentido, lo que sucede en la calle.» Efectivamente, los hechos de 1968 poseen infinidad de significados, no sólo políticos, para todos los implicados. «Se me preguntará si la película versa sobre el 68» —dice Bertolucci—, «y yo responderé que sí; se desarrolla en el 68, y hay mucho del espíritu de aquel año, pero no trata de las barricadas o de las luchas callejeras. Trata más bien de la experiencia en su conjunto. Yo estuve allí, y fue algo inolvidable. Los jóvenes estaban henchidos de esperanza de un modo que jamás antes se había visto, y jamás se volverá a ver. Aquel esfuerzo por sumergirse en el futuro, aquella libertad, fue algo maravilloso. Se trata del último momento en que algo tan idealista, tan utópico, ha tenido lugar.»

Desde que en 1973, Bertolucci descubrió para el mundo a una Maria Schneider de 21 años en EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS, como perfecta oponente, con su abrumadora naturalidad, al hastiado extraño que encarnaba Marlon Brando, el director se ha granjeado fama como poseedor de un gran ojo para detectar a los jóvenes talentos. Todo su trabajo se ha regido por esta cualidad, desde EL CONFORMISTA, en 1970, hasta STEALING BEAUTY (BELLEZA ROBADA, 1996) y BESIEGED (ASEDIADA, 1998). Sin embargo, al centrarse en una historia con tres jóvenes, se vio enfrentado a una labor difícil. Jeremy Thomas nos lo explica: «Cuando se hace un film sobre jóvenes, es muy difícil dar con actores que estén entre los 19 y los 20 años que sean estrellas cinematográficas, por lo que es una gran oportunidad para descubrir a gente nueva.» Sin embargo, en esta ocasión, era preciso que Bertolucci afrontara más de una búsqueda de talentos. «Por lo general» —nos dice—, «lo que busco no es exactamente una persona que responda a lo que está escrito en el guión. Lo más importante es tener la sensación de contar con alguien que posea un aire misterioso, alguien que mantenga a mi cámara intrigada por él o ella.»

Así las cosas, cuando la preproducción empezó, lo único cierto era la necesidad de hallar a dos actores franceses y uno norteamericano. «Para éste último, fuimos a Los Ángeles y Nueva York» —dice Thomas—, «y creo que entrevistamos a unas 200 personas, hasta que fuimos perfilando y reduciendo, y dimos con Michael Pitt. Pasó lo mismo con los personajes franceses; vimos a mucha gente hasta toparnos con los que creímos que encarnarían mejor los papeles; luego los personajes cobraron vida en ellos hasta que nos convencimos de que nadie más podía hacerlo.»

Sin embargo, la búsqueda en EE.UU. no resultó fácil, y no fue menos motivo el hecho de que el director se mostraba muy celoso por preservar cierto grado de misterio sobre el proyecto. «Bernardo se mantenía muy reservado con respecto al guión» —recuerda Pitt—, «por lo que uno tenía que entrar y leerlo justo delante de él; no podía llevármelo a casa. Me senté allí y leí el guión; me pareció simplemente maravilloso.» Además, había otros problemas. Aunque EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS puede parecer blando para los patrones actuales, el film provocó verdaderos disturbios en todo el globo con su sincero retrato de la sexualidad humana; a algunos agentes les incomodó mucho ofrecer este nuevo guión a sus clientes. «Los EE.UU. resulta un lugar muy puritano» —opina Bertolucci—, «lo que es un auténtico problema para ellos. Con todo, no empleé mucho tiempo tratando de convencer a la gente. Se trata de un guión que o te gusta inmediatamente o no vale la pena hacer el esfuerzo. Mientras estaba buscando, me topé con Michael en Nueva York; inicialmente sentí cierta reticencia hacia él. Estaba a punto de contratar a otro cuando me di cuenta de que me estaba equivocando. Tenía miedo de que debido a su aspecto pudiera parecer un narciso, pero le había subestimado. Es mucho más que un buen actor. Creo que me estaba resistiendo porque yo mismo procedía mucho como él, y me era doloroso tener que admitirlo.»

Habiendo intervenido previamente en la controvertida BULLY (BULLY, 2001), de Larry Clark, como integrante de una pandilla de adolescentes asesinos, Pitt se ha establecido rápidamente como uno de los nuevos actores norteamericanos más audaces desde su aparición en el culebrón televisivo DAWSON’S CREEK (DAWSON CRECE, 1998). Esos dos papeles de su carrera tan contrapuestos le prepararon realmente para su personaje en THE DREAMERS. «Encarno a Matthew» —nos dice—. «Es un estudiante norteamericano que acaba de llegar a Francia para estudiar. Se ha criado en el seno de una familia de clase media de zona residencial. Es un buen chico, aunque algo ingenuo. Procede de San Diego, y ha venido llevando una vida protegida, plenamente opuesta a la de un hippie; su despertar, o su liberación, va a empezar realmente aquí. Mucho de todo esto tiene que ver con los dos hermanos con quienes se cruza y con el modo en que en cierto sentido éstos le corrompen. Quizá son ellos quienes le abren los ojos, o le posibilitan que él mismo decida abrirlos.» Gilbert Adair aborda la historia: «Así que empieza la película, Matthew aparece como alguien absolutamente solitario. Cada noche asiste a la Cinémathèque; no conoce a mucha gente. Y entonces, en el primer choque entre cinéfilos y policía, entabla amistad con dos jóvenes franceses, Theo e Isabel. Son mellizos, pero no idénticos; y tenemos la vaga sensación de que tenían a Matthew en su punto de mira, y que el encuentro no se ha producido casualmente. A partir de ese momento, sus destinos van a unirse para siempre.»

Dar con Theo e Isabel fue igualmente agotador, ya que Bertolucci estaba buscando actores que pudieran transmitir la intimidad que comparten dos gemelos. «No estaba buscando el parecido» —informa el director—. «Buscaba algo más sutil que eso. Proceden de una familia parisina de clase media, son cultos pero también muy retraídos.» Para dar vida a Theo, eligió a Louis Garrel, hijo de Philippe Garrel, quien tiene otra inesperada relación con el 68. «Conocí a su padre» —nos dice Bertolucci—. «Es un director a quien admiro; era muy joven en el 68. Sentí curiosidad por conocer a su hijo. Me gustó a simple vista; hay algo muy romántico en él, pero también cierta severidad.» Garrel entendió intuitivamente ese aspecto del papel. «Se trata de unos mellizos que despiertan al sexo y necesitan a alguien que les ayude» —opina el actor—. «Se encuentran con este norteamericano y lo usan por su inocencia; Theo quiere que Matthew le separe de su hermana, e Isabel desea que el norteamericano le separe de su hermano.»

Con Garrel, Adair se dio cuenta de que la película iba a emprender el vuelo por su cuenta. «Theo es un personaje misterioso» —nos dice—, «mucho más de lo que es en mi novela y, en parte, ello se debe a Louis. Creo que pasará un buen rato antes que el público llegue a saber si es Theo quien manipula a Isabel o viceversa. Al principio, parece que Isabel domina a Theo casi por completo, pero a medida que vamos descubriendo las inseguridades de ella, empezamos a preguntarnos si Theo está desarrollando un juego más sutil. Este juego de dos pasa a ser de tres, y de eso trata precisamente este largometraje.»

Para completar el trío, Bertolucci seleccionó a la debutante Eva Green, una actriz de formación teatral que afronta aquí su primera película. «Cuando me encontré con ella» —informa Bertolucci—, «sólo transcurrieron diez segundos y ya estaba pensando ‘Ésta es Isabel.’» Efectivamente, las primeras impresiones son esenciales. Adair nos dice: «Cuando Isabel aparece por vez primera, se trata de alguien que irradia, que percibimos consciente de su propia belleza, de la calidad de su propia imagen, porque está imitando claramente el tipo de estrellas cinematográficas que admira. Luego vamos descubriendo muchas otras cosas sobre ella, y nos damos cuenta de que resulta mucho más vulnerable, alguien mucho más insegura de lo que parece. Es una chica ocurrente, inteligente, y de gran vivacidad, pero tiene un secreto que el largometraje desvela a su debido tiempo.»

Aunque le asustaba dar el paso desde los escenarios a la pantalla, Green afrontó el desafío. «Es un gran papel porque Isabel posee mucho misterio» —nos dice la actriz—, «y nunca acabamos de saber si está fingiendo o no, porque da la impresión de que está interpretando todo el tiempo. Se inspira en las grandes actrices del cine: Greta Garbo, Lauren Bacall, Bette Davis… y resulta muy ambigua. Es como la Esfinge. En ocasiones parece muy dura y, sin embargo, oculta una enorme sensibilidad. Le asusta la soledad, verse separada de su hermano, y sin embargo también le asusta haberse enamorado de él.»

Una vez logrado el reparto, Bertolucci desveló sus propósitos para facilitar a los actores la comprensión de la mentalidad del momento y el lugar donde se desarrolla el drama. «Lo que en realidad quería es que tres jóvenes de hoy se enfrentaran a los jóvenes del 68» —confiesa—. «Realmente, ¿qué saben Michael, Louis y Eva del 68? Casi nada. La juventud actual sabe muy poco de aquella época. Decidí mostrarles un montón de noticiarios y mucha televisión de aquel entonces. Y en cierto momento, estuve a punto de hacerles leer los textos que eran esenciales en los 60, pero reparé en que habría sido demasiado, hubiera originado muchas preguntas que habría sido imposible responder. Decidí mantener esta confrontación de un modo más sutil.»

Green se dio cuenta inmediatamente y se sintió impresionada por el estilo instintivo del director. «En su película, la atmósfera se contagia, es muy sensual» —opina la actriz—. «Me asustaba trabajar con él, aunque es alguien encantador; trabaja muy estrechamente con los actores y transmite seguridad. También es muy exigente, pero puede llevarte a donde quiere sin dar la impresión de ser un manipulador. Todo parece sencillo; sabe comunicarte lo que busca con sólo una palabra o un gesto. Es alguien muy misterioso» —ríe. «¡Nunca llegamos a saber lo que está pensando!» —coincide Pitt—. «En cierto sentido, Bernardo aparenta ser alguien muy despreocupado, pero no deja de apuntar hacia algo extremadamente preciso.» Sin embargo, esta precisión tiene su precio. A medida que el reparto se acomodaba en sus papeles, Bertolucci y Adair empezaron a ver cómo el argumento iba cambiando de modo inesperado. «Trabajar junto a Bernardo ha sido algo inolvidable y, en ocasiones, totalmente estresante» —confiesa Adair—. «Para él, una película es un organismo vivo; estábamos cambiando constantemente la dirección del film. Alguna que otra vez, tenía la necesidad de mostrarme lo que había filmado y montado hasta aquel momento, porque el guión había dejado de ser la guía más fiable de acuerdo con el rumbo que la película había emprendido. Constantemente, tenía que rescribir los diálogos a medida que los personajes iban evolucionando. Al principio, eso me molestaba, pero aprendí una gran lección con Bernardo. Yo creía que uno tenía que lograr que los actores encajaran en sus respectivos personajes del mismo modo que una botella da forma a un líquido vertido en su interior. Bernardo me demostró que justamente se trata de lo contrario. Es el actor quien da forma al personaje.»

Tanto para Bernardo Bertolucci como para Gilbert Adair, París siempre estará inextricablemente ligado a su amor por el cine; en ambos casos, esa pasión se alimentaba de la Cinémathèque. «Aparecí en París cuando finalicé el bachillerato; tenía 18 años» —informa Bertolucci—. «Mis padres me dieron algo de dinero y viajé allí con mi primo, de la misma edad; descubrí un lugar que se llamaba La Cinémathèque Française, acerca de la cual ya había leído.» Esto ocurría en plena eclosión del cine de la Nouvelle Vague, cuando filmes como LES QUATRE-CENT COUPS (LOS CUATROCIENTOS GOLPES, 1959), de François Truffaut, o A BOUT DE SOUFFLE (AL FINAL DE LA ESCAPADA, 1959), de Jean-Luc Godard estaban revolucionando el mundo del cine con su energía cinética, ambición intelectual, y discurso político. Los cineastas de la Nouvelle Vague habían nacido y se habían criado en la Cinémathèque, de la mano de su fundador evangelista Henri Langlois.

«La Cinémathèque Française no era un museo cualquiera» —dice Adair—, «debido sencillamente a la política de Langlois. Mostraba todo cuanto estaba en sus manos; se negaba a tener las películas en los sótanos. No importaba que fuera un material único o frágil: lo mostraba igualmente, inspirando a toda una generación de jóvenes que se convirtieron en unos auténticos cinéfilos apasionados, más tarde apasionados críticos cinematográficos, y los mejores acabaron por devenir directores cinematográficos. Así que fue en este lugar que Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Claude Chabrol y Alain Resnais aprendieron el oficio, sólo con ver todo un enorme amasijo de películas.» Bertolucci coincide plenamente: «Un extranjero se desplaza a París y se queda prendado de la Cinémathèque» —explica—, «y, en consecuencia, del mismísimo cine. Todos los que asistíamos a aquel local lo considerábamos nada menos que una catedral.»

Algún tiempo después que lo hiciera Bertolucci, Adair llegó a París; sus años de Cinémathèque coincidieron con el malestar que generó el despido de Langlois. «Aquello era increíble» —nos dice—. «Por un lado, estaban todos aquellos fanáticos cinéfilos sosteniendo carteles que decían ‘Films pas flics’ (Queremos películas y no bofia), y por otro, súbitamente, aparecían todos aquellos robots, esos tipos con todo su equipo de antidisturbios y porras cargando contra los primeros. No fui el único a quien la policía persiguió; Francois Truffaut recibió un buen golpe en la cabeza, Jean-Luc Godard fue empujado brutalmente, y la esposa del director Yves Boisset acabó en el hospital. Era escandaloso, pero generó titulares, y la presencia de viejas glorias como Jean Marais, protagonista de las películas de Cocteau, o de Jean Renoir, quien ya se hallaba en la setentena, dio a todo aquello un impacto mucho más amplio.»

El mundo del cine y de sus seguidores añade una capa más a una historia que ya está llegando muy hondo en su horadación del mundo de la imagen y de la identidad. «Pienso que THE DREAMERS es una película sobre tres utopías» —continúa Adair—. «Primero, está la utopía política, cuando realmente se está convencido de que las cosas están a punto de cambiar. Pero también está la utopía cinematográfica. Estamos hablando acerca de una época en la que la gente sentía tanta pasión por las películas como hoy en día la sienten por los equipos de fútbol. Aunque no puede decirse que hubiera algo parecido al hooliganismo futbolístico, había peleas: la gente se discutía y podían hacerse desagradables. Ahora, con el video y el DVD, se puede ver todo, y aquella pasión ya no tiene sentido. Por ejemplo, si uno se perdía un film de Nicholas Ray en la Cinémathèque, era como si se perdiera para siempre. Y luego está la tercera utopía: la sexual. Los 60 venían tras las décadas más conformistas y blandas del pasado siglo. Y súbitamente, los jóvenes empezaron a descubrir sus derechos y la libertad sexual. Había algo sexual en ir al cine. No había en ello nada ofensivo. Lo que quiero decir es que Truffaut era un cinéfilo de pro, y era alguien elegante y con estilo.»

Los integrantes del reparto, que se han criado en la era de los multicines, el video y el DVD, opinan que el mundo de la cinefilia es de lo más instructivo. «He de aprender mucho y ver muchas películas» —dice Eva Green—. «He visto cosas como QUEEN CHRISTINA (CRISTINA DE SUECIA, 1933), con Greta Garbo, y BEYOND THE FOREST (MÁS ALLÁ DEL BOSQUE, 1949), con Bette Davis, quien me impresionó mucho porque compuso una enorme femme fatale. Me ha ayudado mucho en el momento de tratar de imaginar lo que mueve a mi personaje, dado que vive dentro de un capullo junto a su hermano, y anhela escaparse del mundo real. Para ella, el cine es el modo de evitar la realidad.» Para Louis Garrel, sin embargo, ha sido un poco más fácil. «Puedo entender la pasión por el cine» —afirma—. «Quizá se deba a que mi padre es director cinematográfico, o quizá a que mi madre también lo es para la escena, o puede que lo explique el hecho de que mi abuelo es actor; el cine es mi vida.»

La influencia del cine de la época se evidencia en los juegos que los personajes practican para probarse mutuamente, como también en el modo en que Isabel reacciona ante los hombres que la rodean. Ninguna línea del diálogo es demasiado oscura, ningún detalle demasiado trivial, y Adair sostiene que ésta era la manera de hacer de aquel entonces. «Los cinéfilos son una raza extremadamente peculiar» —opina—; «casi están más interesados en estudiar, absortos, las texturas y atrezzo de las películas que en seguir la historia. Les encantan cosas como los pósteres y los títulos de crédito, porque les apasiona saber quién es el responsable de qué; y confeccionan listas interminables. Listas de sus películas favoritas, listas de sus segundas películas favoritas, y cosas así. Y los juegos que el trío desarrolla en este largometraje son muy parecidos a los que nosotros practicábamos en los 60. Si alguien echaba una moneda al aire, inmediatamente pensábamos en George Raft lanzando una moneda en SCARFACE (SCARFACE, EL TERROR DEL HAMPA, 1932). Si una mujer se mantenía sobre un enrejado con su faldilla inflándose al viento, decíamos: ‘Ah, Marilyn Monroe en THE SEVEN YEAR ITCH (LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA, 1955).»

Pero los juegos de THE DREAMERS se ven enriquecidos con un trasfondo sexual, que Adair informa es plenamente deliberado. «Para nosotros, el cine era una experiencia muy erótica» —continúa—. «Porque las películas que estábamos viendo procedían del viejo Hollywood, eran cintas muy reprimidas. Aunque eran sugerentes, e incluso plenamente lascivas, jamás podían explicitar lo que estaba sucediendo. Incluso los matrimonios tenían lechos separados. Por ello, los juegos que practicábamos parecían liberar aquello que sólo existía de modo implícito; si uno no sabía la respuesta, entonces tenía que pagar una prenda, lo que se convertía en algo totalmente sexual. En la película de Bernardo, los personajes practican en el apartamento todo aquello que no oyen o ven en la pantalla cinematográfica.»

En parte, THE DREAMERS es la tentativa de explorar la relación entre el cine y el espectador en los tiempos que precedieron los mass media, cuando el cine era una fábrica de mitos que todavía había de ser abierta en canal, diseccionada, y vulgarizada. Con miras a ello, Bertolucci hace referencia a algunos largometrajes clásicos atesorados por Adair y otros cinéfilos en la época, algunos muy antiguos [la comedia de rock’n’roll THE GIRL CAN’T HELP IT (1956), de Frank Tashlin; o el oscuro drama FREAKS (LA PARADA DE LOS MONSTRUOS, 1932), de Tod Browning], y otros estimulantemente nuevos. Con respecto a estos últimos, Bertolucci ha elegido fragmentos de la obra de Godard, un director que admira desde la juventud para luego contagiar ese entusiasmo a gente como Quentin Tarantino, con quien ha discutido del tema largamente. Bertolucci nos dice: «Le pedí a Godard si podía incluir dos segundos de BANDE À PART (BANDA APARTE, 1964) así como otros dos de A BOUT DE SOUFFLE (AL FINAL DE LA ESCAPADA, 1959).» La respuesta de Godard le encantó al director italiano y dice mucho del modo de hacer cine que le inspiró. Librándole del papeleo y jergas legales, Godard simplemente le dijo: «Puedes hacer lo que te parezca. No hay derechos para el autor, sólo obligaciones.»

Para Bertolucci, regresar a París para rodar THE DREAMERS ha sido una experiencia emocional. Gilbert Adair nos comenta: «Dos de los largometrajes más famosos de Bernardo ocurren en París: EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS y EL CONFORMISTA. De hecho, en el plató de rodaje, bromeábamos a menudo diciendo que THE DREAMERS debería titularse “FIRST” TANGO IN PARIS! (EL PRIMER TANGO EN PARÍS). Mucha gente opina que Bernardo posee una capacidad extraordinaria para filmar esta ciudad con ojo de quien, sin ser francés o parisino, conoce la ciudad perfectamente. Sabe instintivamente qué tipo de escenario quiere usar, y aunque París ha sido filmada infinidad de veces por los directores de la Nouvelle Vague, él la capta de un modo que ningún realizador francés lo ha hecho.» Sin embargo, Bertolucci era muy consciente de que las comparaciones serían inevitables y se dispuso a establecer toda una nueva paleta. «He tratado de evitar absolutamente todas las localizaciones de EL CONFORMISTA y de EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS» —comenta—, «No deseaba establecer ningún tipo de relación entre THE DREAMERS y las otras películas que he realizado en esta ciudad. Y, por supuesto, THE DREAMERS acontece en el 68, es decir, antes de que rodara aquellos dos filmes.»

Efectivamente, aunque los hechos representados en THE DREAMERS acontecieron hace unos 35 años, Bertolucci no tardó en darse cuenta de que enfocarlos con un estilo casi documental no tenía sentido. El diseñador de producción Jean Rabasse explica que desde un buen principio se había adoptado la actitud de que “menos es más.” «Bernardo sabía que había trabajado en VATEL (VATEL, 2000)» —continúa—, «que es un film enorme acerca de Luis XIV, enmarcado en el siglo XVII, en el que trabajamos duro para recrear la época. Sin embargo, para THE DREAMERS Bernardo me dijo que no creía que fuera necesario mucho detalle, dado que el París de los 60 es una época muy difícil pues todavía está muy cerca de nuestro presente. De tal modo que en lugar de atiborrarlo todo con atrezzo y construir escenarios, decidimos reducir tanto como fuera posible para bastir algo muy sencillo. En ocasiones, mientras comprobábamos las tomas del día, nos decíamos “Si el espectador, al ver esto, no piensa en un film de época, y simplemente cree que se trata de una película sobre la vida en París, nos habremos salido con la nuestra.” Hemos tratado de mostrar tan poco como nos ha sido posible, porque cosas como los coches de aquellos años, o los muebles, pueden resultar molestos.»

Bertolucci se muestra categórico al respecto: «No estoy haciendo una película histórica» —puntúa—. «Quiero el espíritu del 68 pero no estoy pretendiendo una reconstrucción. Creo que este extremo fue el que impidió durante un tiempo que me involucrara en la materia. Me siento muy ligado al presente. De hecho el único modo de abordar una película acerca del pasado, para mí cuanto menos, es hacerla como si ese pasado estuviera donde estamos ahora realmente. Y esto porque cuando se rueda un film, la realidad, la gente, el paisaje, los rostros y los cuerpos que están frente a la cámara, aun cuando lleven vestuario de época, siguen siendo contemporáneos a nosotros mientras estamos rodándoles. El único tiempo verbal que la cámara puede conjugar es el presente.»

De hecho, Bertolucci le dejó esto meridianamente claro a Gilbert Adair ya en la etapa del guión. «En la novela original» —explica Adair—, «hay mucha más descripción sobre lo que estaba pasando en las calles, pero Bernardo me dijo muy pronto, en el decurso de nuestras charlas, que él no deseaba tener aquella enorme reconstrucción de los hechos. En parte porque, a estas alturas de su carrera como realizador, no le interesaba, pero también porque, tal y como me dijo: ‘Tu estabas allí; yo también estaba allí; y me parece que hay algo obsceno en tratar de imitar algo que conocimos por nosotros mismos.’ Es decir, en THE LAST EMPEROR (EL ÚLTIMO EMPERADOR, 1987), reconstruyó la Revolución China; sin embargo, para él eso resultaba algo tan alejado de su experiencia que se convertía en una especie de cosa mítica. Sin embargo, lo que teníamos entre manos era algo que formaba parte de mi vida y de la suya, por lo que no quería ir por ese camino.» Dicho esto, Bertolucci no se ahorró su habitual y altísimo nivel de investigación. «Bernardo se documenta acerca de la película que va a abordar mucho más que cualquier otro director con el que haya trabajado» —nos dice Thomas—. «Antes de empezar la película, lo sabe todo sobre la materia. Ello no implica que vaya a usarlo necesariamente, pero está informado.» Una vez que ha saciado su curiosidad, se asegura que su joven reparto también quede al corriente de la realidad de la época. «Bernardo nos mostró metraje acerca de las manifestaciones del momento» —nos dice Eva Green—, «y de las huelgas, con miras a que aprendiéramos mucho; lo cierto es que, antes, no sabía nada del tema. Me impresionó mucho; no podía imaginarme que la cosa hubiera sido tan grande.»

Sin embargo, pese a tener entre manos un proyecto relativamente pequeño, no se trataba de uno fácil de rodar. A lo largo de su carrera, Bertolucci siempre ha declinado rodar en estudios, y THE DREAMERS no es una excepción. «Todo se ha filmado en localizaciones reales» —confirma Jeremy Thomas—. «Todos los largometrajes en que he participado junto a Bernardo se han realizado en localizaciones, con excepción de un par de escenas de EL ÚLTIMO EMPERADOR, que rodamos en estudio porque no pudimos entrar en las habitaciones del palacio; estuvimos en Cinecittà. Pero lo habitual es que sus películas se rueden en localizaciones reales.» Según dice el propio Bertolucci, procede de este modo para evitar distraerse con las comodidades del rodaje en estudio. «En un estudio hay toda suerte de servicios» —nos dice—. «Siempre hay luz disponible, y si se quiere retroceder la cámara, puedes quitar el muro que molesta. Cuando ruedo en localizaciones, no puedo disponer de esas cosas, pero es eso justamente lo que necesito. Las limitaciones de un lugar auténtico son siempre muy estimulantes. Me gusta sentir que mi cámara, como mi cuerpo, establece una relación orgánica con la arquitectura. Ese es el motivo por el que no rodé EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS en un estudio. Recuerdo que Renoir me dijo que siempre debía dejar una puerta del plató abierta porque, quien sabe, quizá entrará alguien durante el rodaje que no estabas esperando. Eso es el cine; la realidad invadiendo el plató. Por el contrario, en un estudio no hay modo de que la realidad irrumpa.»

Como en cualquier producción cinematográfica actual, este compromiso para con la realidad planteó grandes problemas logísticos. «Fue toda una pesadilla para el jefe de localizaciones» —dice Rabasse—, «porque, como en todas las grandes ciudades, es todo un infierno lograr permisos de rodaje.» Pero Jeremy Thomas subraya que esto no es más que otra faceta del proceso de realización de un film. En las calles donde una vez rodaron con plena libertad colegas como Jean-Luc Godard y Francois Truffaut, la urbanización se ha multiplicado, y la paranoia surgente después del 11 de septiembre ha dificultado mucho más todo. «Toda película tiene sus problemas» —opina Thomas—. «Las escenas de 1968 han sido muy difíciles de recrear porque las autoridades no nos quieren en las calles disparando balas de goma y cañones de agua, volcando coches y arrancando adoquines. De hecho, es muy difícil rodar en las calles de la mayoría de las ciudades, ya sea Londres o París; cada vez es más restrictivo. Sin embargo, no es imposible; simplemente se trata de algo que hay que lograr. El verdadero problema estriba en cosas como los coches y los pasos cebra, pues en 1968 eran amarillos. Así que cada vez que rodábamos en las calles, teníamos que empezar a pintar franjas amarillas. Encontrar coches de aquel entonces también es muy difícil, porque se incentiva al ciudadano a que se deshaga de los automóviles viejos; el estado anima a que si se tiene un vehículo de más de diez años, se compre otro nuevo.»

Aunque algunas de las localizaciones no presentaron inconveniente alguno en permitir el rodaje, como la Cinémathèque original y el Louvre, donde los tres protagonistas recrean el famoso sprint que se ve en BANDA APARTE, de Godard, otras se evidenciaron impracticables. Por ejemplo, aunque hubiera sido lógico rodar las escenas de los disturbios en el distrito bohemio de Saint Germain, los hechos del 68 generaron sorprendentes repercusiones en la zona. «Saint Germain no pudo usarse» —dice Rabasse—, «y nos dimos cuenta de ello muy rápidamente. Lo que quiero decir es que, tras el mayo del 68, el alcalde de París decidió eliminar todos los adoquines, porque pensó que era demasiado peligroso dejar toda aquella munición lista para ser usada por los estudiantes. Actualmente, sólo es posible hallar adoquines en los barrios más adinerados de París, donde no hay estudiantes.» Gilbert Adair se mostraba inicialmente escéptico con respecto a la capacidad del equipo para solventar tamañas contrariedades pero, para mayor sorpresa de un cinéfilo, ha tenido que admitir que subestimó los recursos de aquél. «Los diseñadores han hecho un trabajo maravilloso» —confiesa—, «En un primer momento, creí que no funcionaría porque habían cambiado muchas cosas; por ejemplo, ciertos cafés que creía eran imprescindibles para la verosimilitud de los hechos ya habían desaparecido. Las escenas de los disturbios que rodamos se orquestaron brillantemente, pero yo seguía teniendo aquella molesta sensación de que no iba a salir bien. Sin embargo, cuando vi las tomas, me quedé estupefacto. Súbitamente, me vi asaltado por esos recuerdos del 68, cosa que no había sucedido en absoluto mientras contemplaba el rodaje. Para mí, esto es precisamente lo que define qué es el cine.»

Una vez solucionadas las escenas callejeras, que se filmaron en el tradicional periodo vacacional del mes de agosto, cuando los residentes abandonan en masa París, Bertolucci se concentró en las escenas que ocurren en el apartamento, donde los jóvenes representan su psicodrama. Tal y como Rabasse atestigua, Bertolucci es muy suyo en lo referente a sus localizaciones, y quiere que reflejen la historia. «En una ocasión, recuerdo que le mostré una foto del plató para la habitación del hotel de Matthew, y le dije: ‘¿Qué opinas? Y él me respondió: ‘Bueno, ¿Cuál crees que es la historia? ¿En dónde sucede?’ Y entonces me di cuenta de que no había dado con la idea adecuada, por lo que tuvimos que empezar de nuevo: repintar la habitación y cambiar los muebles con miras a hallar una respuesta para la historia que había tras la habitación. ¿De quién era? ¿Qué tipo de persona estaría allí? Eso es importante porque Bernardo tendría que explicarle el lugar al actor, por lo que siempre teníamos que pensar acerca del tipo de vida que se llevaba dentro de aquellas paredes así como en todos los detalles.»

Después de mucho buscar, dimos con un apartamento que respondía a las necesidades de todos, y no sólo a las de Bertolucci. Thomas comenta: «Descubrimos todo un edificio con patio, en el que logramos que encajara todo el equipo técnico, el de manufacturaciones, y la sección de contabilidad, todo metido en un único edificio. Los camerinos para el vestuario y el maquillaje..., todo estaba allí; de hecho, lo único que estaba fuera era el vehículo del catering. Se trataba de una situación ideal porque el apartamento es todo un personaje más en la película. Vive y respira.»

Adair también se sintió impresionado por el apartamento, que era tan esencial para la historia como el húmedo, malsano e impersonal espacio que compartían Brando y Schneider para EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS. «En cierta manera» —nos dice el novelista—, «el apartamento es la auténtica estrella de la película. Desde que nos trasladamos, no nos movimos, estábamos allí día tras día, junto a nuestros tres actores. La mayor parte del tiempo, el plató estaba cerrado, así que nos veíamos largamente rodeados por aquellos tres bellos cuerpos desnudos o semidesnudos; todo aquello se convirtió en nuestro mundo. Era como estar en un largo crucero por el océano; tu mundo se hace pequeño, y todo lo que sucede en el exterior deja de tener importancia. Y en cierto extraño sentido, esto se reflejaba en lo que les estaba ocurriendo a los personajes: no podían abandonar el apartamento, pese a todo lo que estaba ocurriendo en el exterior. Nosotros oímos los disturbios y las sirenas del 68, y los personajes también los oyen, pero lo que les está sucediendo es mucho más importante.»

Sin embargo, pese a las posibilidades eróticas de la historia, Thomas puntualiza que éste no es otro intento de repetir un “éxito escandaloso” a lo ÚLTIMO TANGO EN PARÍS.» «No buscamos la controversia» —continúa—, «no es sino una gran historia sobre tres jóvenes en cierto momento de su existencia.» Michael Pitt está de acuerdo: «La mayoría de las películas no tienen suficientes arrestos para mostrar lo que aquí tratamos, por lo que es un film innovador. Pero no creo que sea controvertido; creo que la única razón por la que películas como éstas devienen polémicas estriba en que no hay suficiente gente que se decida a hacerlas. Aunque tengo la impresión de que en Europa lo son menos que en EE.UU., donde se ponen un poco más nerviosos con el sexo que con el asesinato. Es muy extraño» —concluye—. «Se puede contemplar la violencia, pero no a la gente en cueros.»

Con THE DREAMERS, Bernardo Bertolucci espera corregir lo que en cierto sentido interpreta como una injusticia de la historia. Tiene la impresión de que los hechos del 68 se juzgan con parámetros actuales; sólo se considera lo que finalmente se consiguió, lo que para el director es enfocar erróneamente la cuestión. «Algunos creen que el 68 fue una guerra perdida» —opina—, «lo que es un error de bulto. Creo que hubo muchos, muchísimos cambios importantes, pero al parecer hay mala memoria, quizá por ello la gente no le ha explicado a sus hijos la historia del 68. Hay una especie de agujero negro para los jóvenes, y en parte creo que se debe a que los padres no tienen ganas de hablar de ello. Los jóvenes no saben nada del 68. Es como si hubiera habido una enorme censura para todo lo referente a aquel espíritu, y siento que todo esto es una locura. Porque aunque haya sido un fracaso de los sueños revolucionarios, el 68 ha sido increíblemente importante para el cambio de actitud de la gente. Todo cambió. En Italia, ¡se multaba a la gente si se besaba en la calle! Los jóvenes de ahora, que dan por segura su supuesta libertad, no saben que mucho de ello se logró en el 68. Ésa es la razón por la que se hace interesante observar de qué modo encauzan mis actores aquellos tiempos. Aunque no se diga, está entre líneas. Es una emoción que brotará de la pantalla.»

Sin embargo, Bertolucci se apresura a puntualizar que no está tratando de sermonear a la juventud de ahora con una obra nostálgica sobre tiempos mejores. «En cierto sentido» —nos dice—, «THE DREAMERS es un recuerdo, igual que lo puede ser una pieza musical o un súbito rayo de sol. Es un recuerdo acerca de una época en la que toda una generación despertó cierta mañana henchidos de unas esperanzas increíbles. Acaso porque constato que la juventud actual arrastra un aire melancólico con respecto al futuro, he querido recordarles que hubo un tiempo en el que el futuro sólo se entendía positivamente.» Louis Garrel comparte el punto de vista de Bertolucci y le gustaría que más jóvenes se contagiaran de la energía de entonces. «Muchos tratan de eliminar el mito del mayo del 68 en este preciso instante» —comenta—. «Quieren aseverar que se trata de un tiempo pasado creado por la burguesía; mucha gente está tratando de desacreditar aquellos hechos.»

Para Bertolucci, el legado no es otro que el de la emoción, el optimismo y la esperanza. «El romanticismo era arrollador» —comenta—; «no era algo que molestara o que pudiera hacerte sentir incómodo. Puedo ver eso ahora en mis películas.» Para Gilbert Adair, la transformación de su incómoda novela ha sido un viaje extraño e inesperado, aunque gratificante, un viaje que empezó hace muchos, muchísimos años. «El desenlace del film es a la vez feliz y desdichado» —comenta—. «Feliz, porque nuestros personajes han culminado su viaje y han aprendido algo acerca de ellos mismos; y desdichado, porque siempre hay algo triste en llegar al final de algo. Supongo que es así como me siento en relación con los años 60. Estaba mirando junto a Bernardo algunos noticiarios, y pensé ‘Dios mío, ¿realmente éramos tan ingenuos; y vestíamos tan mal... ?’ Y al mismo tiempo, resultaba que aquél fue el momento más feliz de vida. En verdad que lo fue.»

Fuente: LaButaca.net

Cine y música, una relación fructífera

2008-03-25T09:09:00.000-07:00

Que la música y el cine hacen bueba yunta no es novedad. Y, de cuando en cuando, sirve para que una banda de sonido permita tener, en edición local, un pispeo de cosas que de otra manera no se lanzan al mercado en estas tierras.

Así sucede con la música de La joven vida de Juno , esa historia pequeña pero conmovedora, que vino acompañada de una colección más que interesante de canciones. Porque allí, acaparando la atención, están los temas de Kimya Dawson, una cantautora treintañera que integraba, junto a Adam Green, Moldy Peaches, un dúo neoyorquino de antifolk (ese movimiento que en los ochenta renovó el folk tiñéndolo de actitud punk, pero en formato acústico, y que más recientemente retomaron Ani Di Franco y este dúo, entre otros).

Los temas de ella acompañan una película en que la música es parte de la trama y en cuya banda de sonido también se escucha el dúo (con "Anyone Else But You"), pero también dos temas de Belle & Sebastian (una banda injustamente olvidada por las disqueras locales), un imperdible "Superstar", el tema de los Carpenters, en versión Sonic Youth; Buddy Holly, Cat Power (con su versión de "Sea of Love"), The Kinks y "All the Young Dudes" según Mott the Hoople.

La edición local de este soundtrack es de Warner, el mismo sello que también lanzó ahora Sweeney Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet . Aquí están las composiciones originales que Stephen Sondheim creó para el musical original, aquí con las voces de los actores del film de Tim Burton. En cambio, Warner no editará por ahora la banda de sonido de Petróleo sangriento , otra de las películas que se alzaron con los Oscar de esta temporada. La decisión es extraña, no sólo por la película en sí misma, sino porque en este caso la música fue compuesta íntegramente por Jonny Greenwood, el talentoso guitarrista de Radiohead y un violista con formación clásica (paralelamente a su trabajo con la banda, fue compositor residente de la BBC entre 2004 y 2007).

Aún queda más música con formato cinematográfico. En la segunda semana de abril, Universal lanzará Shine a Light , para acompañar el estreno en salas de la película de Martin Scorsese sobre los Rolling Stones. Y como nunca hay un stone sin un beatle cercano, también habrá edición en CD de la música de Across the Universe , un film que en nuestro país se lanzará directamente en DVD sin pasar por las salas. El musical de Julie Taymor es una historia de amor adolescente, en los años sesenta con todos sus emblemas y paisajes (los hippies, Vietnam, la liberación femenina, etc.) contada a través de las canciones de los Beatles que entonan los actores. Un extraño experimento que llega a buen puerto en la pantalla pero que, sin imágenes y coreografía, no justifica demasiado su existencia en el puro CD.

Aunque aún no se confirmó su fecha de estreno, la música de My Blueberry Nights ya se consigue desde hace unas semanas en las disquerías. El film de Wong Kar Wai está protagonizado por Norah Jones y es de ella el tema de apertura, "The Story" que, según cuenta el mismo director, compuso la ahora famosa hija de Ravi Shankar, durante el rodaje. Y que eligió incluirlo, aunque él mismo, en un comienzo, había decidido prescindir de la música de Jones. En el álbum también se escucha a Cat Power (con dos temas de The Greatest , su álbum anterior y que, como el último, tiene edición local gracias al sello Ultrapop), a Ry Cooder con su inconfundible sonido, a Gustavo Santaolalla con el instrumental "Pájaros", Cassandra Wilson haciendo el tema de Neil Young "Harvest Moon", la imperdible Mavis Staples y "Yumeji s Theme", el tema de Chikara Tsuzuki que Wong Kar Wai utilizó en Con ánimo de amar , pero aquí en versión para armónica.

Y, aunque seguramente no tendrá edición local, vale la pena revolver redes y ciberespacios para encontrar "Where Do You Go To (My Lovely)", de Peter Sarstedt, un tema de 1969, de este cantautor nacido en la India y que es una suerte de leit motiv de Hotel Chevalier , el corto que acompaña y completa a Viaje a Darjeeling , el film de Wes Anderson estrenado anteayer.

Coppola rodará en Argentina con Maribel Verdú

2008-03-21T10:37:00.000-07:00

El cineasta Francis Ford Coppola comenzará en los próximos días en Buenos Aires el rodaje de su nueva película, que tendrá entre sus protagonistas a la española Maribel Verdú y muchos argentinos en el elenco y en el equipo técnico.

Coppola y Verdú se encuentran ya en la capital argentina para comenzar los ensayos, si bien no se conoce la fecha exacta en la que empezará el trabajo porque la productora guarda un hermetismo casi absoluto en su comunicación con la prensa.

Aunque aún no está confirmado, se espera que en el proyecto también participe el ganador de un Óscar Javier Bardem, actor español que podría interpretar a un crítico literario o al hermano mayor del protagonista, Tetro, cuyo nombre da título a la película.

La cinta estará protagonizada por el actor estadounidense Alden Caleb Ehrenreich y el reparto se completa con los argentinos Mike Amigorena, Leticia Brédice, Malena Solda, Sofía Gala, Silvia Pérez y Rodrigo de la Serna.

'Tetro', que se grabará en la capital argentina y en la Patagonia (sur), es la segunda película de Coppola después de su vuelta a la dirección, ya que antes de su último trabajo, 'Juventud sin juventud' (2006), estuvo diez años apartado de la actividad.

Será producida por el propio director estadounidense a través de su empresa, Zoetrope Argentina, y también participará en la financiación la productora de la hija del italiano Carlo Ponti, Guendalina, según informa la revista local 'Debate'.

La nueva creación del cineasta estará rodada en blanco y negro, hablada en inglés y cuenta la historia de las rivalidades en una familia de artistas, con algunos tintes autobiográficos en el personaje de Tetro, un iluminador que con 18 años escapa de Estados Unidos a Argentina, de donde provienen sus antepasados de origen italiano.

La española Maribel Verdú, premiada en los últimos Goya, interpretará a Miranda, una mujer que intenta reconciliar a Tetro y su hermano cuando éste va a buscarlo a Argentina.

"Es un personaje maravilloso, de esos fuertes que va para adelante, bellísimo", dijo en la entrega de los premios Goya. Las autoridades argentinas esperan una promoción del turismo con la visita de Coppola, que además de su productora tiene un hotel con seis habitaciones en el barrio porteño de Palermo.

Murió Anthony Minghella

2008-03-19T08:44:00.001-07:00

Con su más famoso filme, El paciente inglés, Minghella obtuvo en 1997 nueve premios Oscar, casi un récord, superado sólo por pocas otras películas como Titanic, El señor de los anillos y Ben Hur (11), y West Side Story (10).

El cineasta, casado con la coreógrafa de Hong Kong Caroyl Choa, había nacido en la isla de Wight en una familia de origen italiano y había abandonado los estudios en la Universidad de Hull para dedicarse por completo al cine, según informó la agencia internacional Ansa.

En 1975 había debutado como director teatral con una adaptación de Mobius the Stripper de Grabriel Josipovici, y después había desembarcado en el mundo de la televisión.

Su primer largometraje como director fue Truly, Madly, Deeply, en 1990. El éxito le llegó en 1996 con El paciente inglés, que le valió un Oscar al mejor director -de entre las nueve estatuillas que logró- y un Golden Globe, así como numerosos otros premios en Estados Unidos y Gran Bretaña.

En 2004 el filme Regreso a Cold Mountain obtuvo 7 nominaciones al Oscar y se llevó el premio más importante, a la mejor película. Mientras que El talento de Mr. Ripley, rodado casi por completo en Italia y protagonizada por Matt Damon y Jude Law, salió con las manos vacías de los Academy Awards en 2000.

Coppola, todo listo para filmar Tetro en Buenos Aires

2008-03-17T08:47:00.001-07:00

La película sigue a los dos hijos de un solitario director de orquesta italiano. Tetro, el hijo mayor, decide mudarse a Buenos Aires luego de una amarga pelea con su padre. Diez años después, su hermano menor viaja hasta la capital porteña para reencontrarse con Tetro, que sobrevive en la ciudad como un artista bohemio más.

Tetro forma parte de una nueva etapa en la carrera del realizador de Apocalipsis ahora, que decidió volcarse a películas más intimistas y personales y con menor presupuesto. El rodaje de Tetro comenzaría el 31 de marzo y Coppola todavía está buscando un distribuidor para la película, tarea nada fácil después del rutilante fracaso comercial de su último film, Youth Without Youth

Sale Dillon, entra Gallo

Los dos hermanos iban a ser interpretados por Matt Dillon y el joven debutante Alden Ehrenreich, pero Coppola decidió reemplazar a Dillon por el polémico Vincent Gallo. El nuevo protagonista no tiene la mejor de las reputaciones: el actor, director y músico salió en todos los medios hace unos años por poner en venta su semen en un millón de dólares a través de su página de internet.

Ehrenreich fue descubierto por Steven Spielberg en el video de un bat mitzvah al que asistió el director y se lo recomendó al realizador de Drácula y El padrino. El joven intérprete hasta el momento tuvo sólo un par de pequeños papeles en las series de televisión Supernatural y CSI. Spielberg es famoso por su buen ojo para los actores jóvenes. No hace falta más que recordar a la incipiente Drew Barrymore en ET, el extraterrestre.

Hollywood en castellano

El elenco se completa con los intérpretes españoles Javier Bardem y Maribel Verdú, quienes encarnarán respectivamente a un crítico literario y a la mujer de Gallo. A pesar de los rumores, sólo Leticia Brédice y Sofía Gala son las actrices argentinas que tienen su participación confirmada en el proyecto. Rodrigo De la Serna y Mike Amigorena, por su parte, también serán de la partida, y si bien no se descarta la participación de otros talentos locales, no serían esos roles de mayor importancia.

Las locaciones para el rodaje en la ciudad serán los barrios porteños de La Boca, San Telmo y Palermo Viejo. Luego, la producción viajará hasta el sur, ya que habrá escenas rodadas en paisajes naturales de la Patagonia, hacia donde Coppola viajó a mediados de febrero para conocer los escenarios de primera mano.

Algunos problemitas

En diciembre pasado, Coppola se había metido en algunos problemas al criticar las últimas actuaciones de los legendarios Jack Nicholson, Robert De Niro y Al Pacino. El director hizo referencia a un supuesto cambio de actitud de las estrellas luego de convertirse en millonarios, lo que enfureció a los actores.

El año no empezó mucho mejor para el director. Una inspección del SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina) constató que diciesiete personas trabajaban para su productora sin contrato alguno y se lo intimó a regularizar la situación.

“Los americanos se niega a ver la realidad”: De Palma.

2008-03-16T08:28:00.001-07:00

Con su más reciente producción, Brian de Palma encontró una nueva manera de hacer cine, que combina ficción y documental, para tratar un tema que lo aleja de los fines y propósitos de la industria cinematográfica de Hollywood.

“Redacted” está basada en hechos reales, en un incidente ocurrido en Irak, en la ciudad de Samarra en el 2006, donde soldados estadounidenses mataron a una familia, quemaron y violaron a la hija mayor.

La cinta se proyectó en el XXIII Festival Internacional de Cine en Guadalajara, y los distribuidores de la cinta en México anunciaron que la estrenarán a mediados de año.

“Cuando comencé la investigación para esta película encontré muchos testimonios sobre ese penoso caso en internet, la mayoría hechos por soldados de mi país; pero no pude usarlos porque la ley lo prohíbe.

“Entonces comencé a trabajar en la ficción, siempre conservando el tono de un documental. Pero algo que también descubrí es que la gente en Estados Unidos no quiere hablar del tema, se niegan a ver lo que hacen nuestras tropas, y los medios sólo presentan las historias que el gobierno autoriza previamente”, declaró.

De Palma consideró que "Redacted" sea una producción pensada en la taquilla, ni para provoca emociones en latradición de Hollywood.

“En Estados Unidos no le fue bien a la película, y es curioso que en otros países la respuesta del público y la crítica son más entusiastas, ponen mayor atención en ella. Espero que eso pase aquí cuando se estrene. Lo que sí les advierto que es una película dura, que causa dolor, por la crudeza de lo que pasa y de las imágenes”, señaló.

Bob Marley, de la ficción al documental

2008-03-13T07:55:00.000-07:00

Robert Nesta Marley llegará a las pantallas por triplicado, lo que seguro aumentará todavía más el halo místico que recubre su figura desde su muerte en 1981. Dos documentales y una película basada en la vida de pareja del cantante llegarán a las salas por turnos entre este año y 2010.
Rita Marley vendió los derechos cinematográficos de su novela No Woman No Cry: Mi vida con Bob Marley a la compañía de los hermanos Weinstein. Rita será una de las productoras de la película. El director sería Rudy Langlais, encargado de la producción del biopic Huracán, que definió al film como "un romance épico", y el guión estará a cargo de Lizzie Borden, directora de Chicas que trabajan.

La película recorrerá la turbulenta relación que unió a Rita y Bob durante 15 años. "Cada centímetro de mí está ahí, no quiero que narren un cuento de hadas como el de la Cenicienta" dijo Rita, que propuso a su nieto Stefan como candidato a interpretar a su difunto marido. Rita asegura que Stefan "es la viva imagen de Bob".

Rita quiere que todo quede en familia: como aspirante a su papel ofreció a Lauryn Hill, reconocida cantante y esposa de Rohan Marley, uno de los tantos hijos ilegítimos del cantante. Rohan y Lauryn iban a interpretar a Bob y Rita en Catch a Fire, película jamás terminada basada en una biografía de Timothy White. Catch a Fire iba a completarse en 1999 pero el proyecto fue abandonado cuando renunciaron primero su director, Ron Shelton, y luego su reemplazante, George Armitage.

El bueno de Marty Scorsese aprovechará también la figura de Marley para insistir con sus grandes documentales musicales. Después de No Direction Home, sobre Bob Dylan, y de la aquí aún inédita, Shine a Light, sobre los Rolling Stones, Scorsese se hará cargo de la dirección de un documental producido por Ziggy Marley a estrenarse el 6 de febrero de 2010, fecha en que Bob cumpliría 65 años.

"Este es el único documental autorizado sobre la vida, el legado y el impacto global de uno de los músicos más influyentes de la historia. Su música y su mensaje trascendieron culturas, idiomas y credos" sacó chapa Ziggy. Sobre el proyecto agregó "estoy emocionado porque la familia Marley por fin tendrá la oportunidad de documentar el legado de nuestro padre y es un honor para nosotros que el señor Scorsese sea quien está a cargo del viaje".

El tercer proyecto recién empezó el mes pasado su gira por el circuito mundial de festivales. Africa Unite es un documental que sigue a tres generaciones de Marleys durante un viaje a Etiopía para formar parte de un concierto que conmemora los 60 años del nacimiento de Bob. La película, dirigida por XXXX, incluye material inédito de Marley y un extracto de los mejores momentos del concierto tributo que duró 12 horas y al que asistieron 300 mil personas.

Danny Glover, productor de la película, tiene un papel en Africa Unite. Sobre el film, dijo "es un llamado a la acción catalizada por el legado musical de Bob Marley". Hay reggae para rato sonando en las pantallas y el cine no permitirá jamás que la figura mítica de Marley se haga humo.

La ambigüedad de Diablo Cody

2008-02-27T18:50:00.001-08:00

En el balance, La doble vida de Juno sólo se llevó la estatuilla al Mejor guión original para Diablo Cody, esa oveja negra que calza tan bien con las prioridades de la industria. Su propia biografía fue el guión de un best seller (Candy girl) y una película, sobre la base de su historia como desnudista menos pensada. Sus musas son adolescentes desangeladas, salidas del esquema de la familia tradicional y la vida como debe ser vivida. Con La joven vida... rompió el molde habitual para las historias de hijos dados en adopción y embarazos interrumpidos; sólo el melodrama se había ocupado, por lo general, de bajar línea a favor o en contra del aborto.

Y Diablo pateó el tablero, contó una historia agridulce en la que Juno figura en el centro de la escena; recaudó 120 millones de dólares, se colocó doblemente por encima de la que le sigue en entradas vendidas (Sin lugar para los débiles) e hizo de Diablo Cody (el personaje y la guionista) un boom creativo, contratada por Steven Spielberg para guionar la telecomedia The United States of Tara, preparando el terreno para una historia de horror y una comedia femenina, Girly style, como si fuera una versión junior de Sex and the city. No trabaja sobre previsibilidades. “Siento una responsabilidad personal respecto de la representación del adolescente en el cine americano”, declaró al diario El País de Madrid. “Se suele mostrar a chicos únicamente interesados por el sexo y a chicas puramente materialistas. Todo es muy superficial y yo tengo mucha fe en los jóvenes.” La obra de Diablo Cody recrea una extraña ambigüedad que escatima golpes de sensiblería sin convertir sus películas en objetos fríos. La emoción de Juno es siempre contenida y su posición ante el aborto –que la protagonista no realiza, pero sobre el cual no se dicta sentencia moral– es “por la libertad de elección”, según declaró la guionista en el Festival de Cine de Gijón, en España.

El ascenso estelar remite a otras dos figuras conocidas, las de Matt Damon y Ben Affleck, que luego de ganar con En busca del destino (que dirigió Gus Van Sant) pasaron a las ligas mayores de la industria como héroes de acción. La de Guión original parece ser, cada tanto, una categoría reservada a lanzar a nuevas estrellas indie, con frecuencia obsesionadas por genios incomprendidos y familias disfuncionales como las que pueblan las ficciones de Todd Solondz y Wes Anderson. Pero la familia a lo Jason Reitman, que guionó Cody, incluye una novedad que suele ser más propia de los suburbios londinenses de Mike Leigh que de los regodeos neuróticos en Manhattan: antes que desplegar su drama interior, los Mac Guff, el clan de Juno, tienen que resolver el día a día y esos conflictos de familia trabajadora norteamericana empapan la historia, sin subrayados ni moralina, reaccionando contra un statu quo intelectual. “Entiendo –declaraba Diablo Cody– que otras comedias quieran ser películas blancas y familiares, pero en el fondo son conservadoras.”

Marion Cotillard gran ganadora

2008-02-26T18:46:00.000-08:00

Nadie se lo merecía más que vos y estoy tan contenta de que te hayas hecho acreedora de tan importante estatuilla. Sos la mejor.

Daniel Day-Lewis, el no actor

2008-02-17T17:50:00.000-08:00

Al nacer, su padre, el prestigioso poeta inglés Cecil Day-Lewis, vislumbró cierto potencial en aquel bebé indefenso. En el poema The newborn, publicado en 1957, dedicó a su recién nacido hijo Daniel versos como éste: “Qué pedacito de hombre he tenido, / ¡qué potencia tiene, / aunque sin fuerza todavía y desnudo como / una nuez sin cáscara!”.

Tenía ojo aquel poeta comunista, casado en segundas nupcias con la actriz Jill Balcon, hija del director de los estudios de cine Ealing. El poeta tenía 53 años cuando nació su tercer hijo. Y, consecuente con sus ideas, le mandó a un colegio público del sureste de Londres. El compromiso ideológico cedió cuando los padres vieron que Daniel se dedicaba básicamente a hacer el zángano con los delincuentes juveniles de la zona. Congeniaba bien con ellos, a pesar de su origen irlandés, judío y de clase alta. La paciencia de los padres se agotó y decidieron mandarle al riguroso internado de Sevenoacks, en el condado de Kent, el colegio secular más antiguo del Reino Unido.

El cambio fue duro, Daniel llegó a odiar aquel sitio. Y en ese ambiente estricto fue donde, con sólo 12 años, sintió lo que él llama “la necesidad”. “No me integraba en aquel internado tradicional inglés”, recuerda. “Entré en clases de teatro, y eso se convirtió en una vía de escape. Fue un chorro de luz en un mundo que parecía, en todos los demás aspectos, sombrío, oscuro y represivo. Tenía sólo 12 años, no era una criatura muy analítica, así que no me lo cuestioné mucho. Sólo recuerdo que pensé: ésta va a ser mi vida”.

Su primer papel en el cine fue divertido, uno de esos que despertarían la vocación en cualquier preadolescente rebelde. Cobró cinco libras por un día de trabajo, que consistió en hacer de macarra con otros chavales del barrio y pasearse por una calle rayando con un pedazo de cristal una fila de coches lujosos. Fue para la película Sunday bloody sunday (1971), de John Schlesinger.

Pero el verano se acabó, y Daniel tuvo que volver al colegio. Esta vez fue a otro internado más progresista, Bedales, donde estudiaba su hermana. Allí se involucró más y más en los montajes de teatro escolares, a la vez que cultivaba su otra gran pasión, que no era otra que la carpintería. Interpretó al príncipe Florizel en Cuento de invierno, de Shakespeare, y ésa fue la primera y última vez que su padre le vería actuar. El poeta murió de cáncer en mayo de 1972, mientras Daniel, que había regresado corriendo del internado, le cogía de la mano.

Cuando terminó el colegio, en 1975, Daniel tuvo que plantearse qué hacer con su vida. Y optó por probar suerte en aquello que más le gustaba: decidió meterse en un taller de... carpintería. Pero de nuevo se cruzó en su vida alguien con buen ojo, que apartó el serrín de su cabeza y le hizo inclinarse hacia la escuela de teatro Old Vic de Bristol. “Fue uno de los artesanos que me habían enseñado en la escuela”, recuerda. “Cuando le dije que iba a irme de aprendiz a un taller, me preguntó: ‘¿Crees que tienes el temperamento adecuado para ello?’. Yo le maldije en aquel momento. Aquello no era lo que yo quería oír. Quería haber oído: ¡eso es maravilloso, choca esos cinco, buena suerte! Pero me preguntó si tenía el temperamento adecuado, y lo cierto es que no lo tenía. No en aquel momento. Ahora creo que sí lo podría hacer”.

–¿Qué temperamento se requería? ¿Paciente, introspectivo...?

–Yo era paciente, era introspectivo. Pero también era salvaje. Supongo que una parte de mí todavía lo es, y es la que encuentra su expresión en el trabajo que hago.

Ese trabajo que hace le ha llevado esta tarde hasta aquí, una suite de un lujoso hotel londinense, para hablar de su nuevo e impresionante papel en There will be blood (Pozos de ambición), la última película de Paul Thomas Anderson (Boogie nights, Magnolia, Punch drunk love), por el que se ha convertido en el favorito para ganar el Oscar al mejor actor el próximo domingo. Compite con George Clooney, Johnny Depp, Tommy Lee Jones y Viggo Mortensen. Si lo consigue, la estatuilla acompañará a la que consiguió por su interpretación de Christy Brown, el escritor tetrapléjico protagonista de Mi pie izquierdo (Jim Sheridan, 1989). Es su cuarta candidatura al Oscar al mejor actor principal –también fue nominado por En el nombre del padre (Jim Sheridan, 1993) y por Gangs of New York (Martin Scorsese, 2002)–, un buen promedio si se tiene en cuenta que apenas ha hecho una docena de papeles protagonistas. “Nadie que yo conozca piensa en estos asuntos de premios y nominaciones”, dice Day-Lewis. “Pero tampoco conozco a nadie que no estaría encantado si le nominaran para un Oscar. Sencillamente no piensas en ello. Nadie puede negar que le haría ilusión, pero ésa no es la razón por la que vas al trabajo”.

En Pozos de ambición –que cuenta con ocho candidaturas a los Oscar, entre ellas, además de la de mejor actor principal, las de mejor película y mejor director–, Day-Lewis da vida a Daniel Plainview, un buscador de petróleo de principios del siglo XX que viaja a California en busca de yacimientos vírgenes que le hagan rico, y acaba descubriendo el alto precio de la riqueza a medida que se sumerge en un infierno de soledad, paranoia y barbarie. Daniel sale prácticamente en cada uno de los 158 minutos que dura una película en la que hay quien ha querido ver paralelismos con la situación actual del mundo, donde la avaricia por el petróleo ha provocado guerras y destrucción.

Pero no fue ese supuesto poso político el que convenció al selectivo actor. “Fue el conjunto de la historia y la vida de ese hombre”, explica. “Paul [Thomas Anderson] escribe maravillosamente, a la manera en que lo hacen muchos grandes escritores. Se mete en el mundo que imagina y acaba viéndolo a través de los ojos de los personajes. Es como si ellos tuvieran su propia voz y él no fuera más que un secretario que levanta acta. El guión me pareció el examen completo de una vida, sin pestañear, sin juzgar, con coraje. Me gustó en su conjunto. Yo no suelo desmembrar las cosas en piezas pequeñas. Si algo me atrae tanto como para hacerme volver al trabajo, es la cosa en su conjunto la que me llama, no una de sus partes”.

Asegura, además, que se produjo una química poco frecuente entre protagonista y director. “Sabía de Paul por sus películas, y cuando leí este guion pensé que necesitaba conocer a la persona que lo había escrito”, recuerda. “A Paul y a mí nos separan unos cuantos años, un vasto océano y ocho horas de diferencia horaria. Y, sin embargo, cuando le conocí me dio la impresión de que hubiéramos crecido juntos. Ha sido una de las sensaciones más fuertes que he tenido en relaciones profesionales, una conexión que sólo me ha ocurrido en una o dos ocasiones más. Trabajamos muy de cerca, y para cuando empezamos a rodar parecía que nos habíamos dicho todo cuanto nos teníamos que decir, lo cual es ideal. Una vez empiezas a rodar, cuanto menos hables, mejor”.

Day-Lewis se prodiga poco por las pantallas y –una excepción entre los grandes actores– apenas tiene manchas que esconder en su currículo. Dice que no lee muchos guiones. “A veces no leo ninguno”, explica. “Por ejemplo, cuando termino de trabajar me paso un buen tiempo sin leer guiones. Leo libros, que son más enriquecedores. Cuando leo guiones, lo hago muy selectivamente. Si leyera todo lo que me llega, me volvería loco. La calidad media es muy pobre”.

Es conocido por preparar concienzudamente sus personajes, por sumergirse en ellos de manera casi patológica, lo cual le ha creado cierta fama de lunático. Para su papel de tetrapléjico en Mi pie izquierdo se fue a vivir a una casa en Dublín junto a un centro médico para personas con discapacidades (del que luego se convirtió en benefactor) y pasó meses estudiando a los pacientes. Aprendió a pintar con un cuchillo sujetado por dos dedos de su pie, y en el rodaje no se levantaba de la silla de ruedas ni en las pausas, obligando a miembros del equipo a llevarle de un lado a otro e incluso a darle de comer con una cuchara.

Para meterse en la piel de Hawkeye, el inglés adoptado por guerreros indios en El último mohicano (Michael Mann, 1992), ganó diez kilos de músculo, y aprendió a pescar, a despellejar animales y a construir una canoa. En el rodaje no se separaba de su rifle, que aprendió a cargar y disparar mientras corría. Para rodar El crisol (1996) se fue a vivir al pueblo que se había construido como decorado en una isla de Massachusetts; sin agua ni electricidad, levantó con sus propias manos la casa de su personaje y cultivó la tierra con aperos del siglo XVII. Para En el nombre del padre (Jim Sheridan, 1993) perdió 15 kilos de peso a base de raciones carcelarias y pasó dos días con sus noches sin comida ni bebida en la celda del set de rodaje. En The boxer (Jim Sheridan, 1996) aprendió a boxear con tanto ímpetu que acabó con la nariz rota y una hernia discal. Para Gangs of New York aprendió el oficio de carnicero y el arte de lanzar cuchillos.

–¿Cómo preparó el personaje de Daniel Plainview de Pozos de ambición?

–Las cosas obvias. Si la acción se sitúa en un periodo de la historia que no es el tuyo, tienes que aprender sobre esa época, sobre cómo vivía la gente; incluso en lo más cotidiano: cómo viajaban, cómo comían, cómo vestían… En este caso específico de los buscadores de petróleo, tienes que entender qué implica esa forma de vida. Pero eso son detalles. No se tarda en absorber eso, hay mucha información disponible, desde manuales de minería hasta documentos sociológicos de la época, pasando por las cartas de los mineros a sus familias, que me parecieron fascinantes. Eran hombres que abandonaban a sus mujeres e hijos en busca de ese dinero que caería del cielo. Muchos acababan rotos por la experiencia mucho antes de que encontraran un solo signo de esa riqueza. Toda esa información está al alcance de cualquiera. Pero el trabajo principal del actor es siempre el mismo, un trabajo de imaginación. Cualquier cosa que lees, ves o escuchas estimula tu imaginación de tal manera que puedes empezar a crear ese mundo por tu cuenta. Ahí es donde está el verdadero trabajo. La imaginación está en la primera línea del inconsciente. Y es el inconsciente el que ostenta el papel más importante. Debes entregarte a la historia, y el personaje, de alguna manera, se revelará a través de ti. Suena un poco pretencioso, pero es como me gusta que sea.

–Jim Sheridan, director con el que ha trabajado tres veces, dijo en una ocasión que usted odia actuar, en el sentido de que rechaza la actuación, que necesita convertirse realmente en el personaje que interpreta. ¿Lo pasa mal actuando?

–No. Él dijo eso, y supongo que sabía lo que quería decir. Actuar es una persecución elusiva de un sueño. Un proceso en el que nunca alcanzas aquello que buscas, el centro de la verdad que buscas. En ese sentido puede ser muy frustrante. ¿Qué actor no ha dicho alguna vez “odio este puto trabajo”? Yo lo he dicho muchas veces. Pero sólo puedes tener un sentimiento tan fuerte por algo que amas realmente. Cuando lo estoy haciendo, no hay ninguna cosa en el mundo que preferiría estar haciendo. Pero cuando no lo estoy haciendo, no hay ninguna parte de mí que desearía estar haciéndolo. No sé si me explico.

–¿Tiene problemas para librarse de los personajes después de un rodaje?

–No lo pienso en términos de librarme de un personaje. Aunque, en el caso de un tipo como Plainview, parecería que es un alivio separarme de él. Y en cierto modo puede que lo sea. Pero más bien funciona el revés: normalmente te sientes reacio a dejarlo escapar. Te has dedicado en cuerpo y alma a algo, has dejado desatar una curiosidad que tiene una vida propia. La curiosidad no tiene un interruptor que puedas encender y apagar. Una vez la has liberado, tienes que dejarla seguir su camino. Con esa curiosidad has intentado crear un mundo en el que contar la historia, has intentado ver ese mundo con los ojos de otro hombre. Tan raro como puede parecer pasar meses haciendo ese ejercicio, es cuando alguien dice el último día: “Ya está, se acabó”. ¿Cómo puede haber terminado? Sigues siendo la misma persona, sigues buscando las mismas cosas. Lleva un tiempo aceptar que eso ya no forma parte de tu vida.

Su forma de entender la interpretación le hace sentirse más cómodo en un rodaje que sobre las tablas de un teatro. Y aquí entra inevitablemente en escena el episodio Hamlet. Algo que ocurrió en 1989. En plena representación del drama de Shakespeare en el National Theatre, metido en la piel del príncipe de Dinamarca, Day-Lewis escapó por piernas del escenario y no ha vuelto a subirse a uno. “Todavía pienso en volver a hacer teatro”, admite. “Pero no sé si lo haré. Pensar en ello es más fácil que hacerlo. En los ensayos de teatro resulta difícil guardarte esa parte privada para ti mismo, que yo considero esencial. Para mí, revelar de una manera honesta una vida que no es la tuya es una experiencia íntima y privada. Creo que cuanto más se habla, más te alejas de conseguirlo. Pero también he tenido algunas de las mejores experiencias de mi vida en el teatro, así que sería una locura por mi parte despreciarlo. Mis experiencias más felices en el teatro han sido antes de haber hecho películas, cuando no había tanta expectación. Los actores de cine que vuelven al teatro tienen un público amplio porque la gente les ha visto en la pantalla. Es un poco como un circo. Hay otra cosa del teatro, y es que está reservado a un público muy reducido. No sólo reducido en número, sino reservado a las clases medias cultivadas. No es que me parezca mal. Pero lo que me encanta de las películas es que cualquiera las puede ver”.

A Day-Lewis, el público le empezó a ver en 1985. Ese año le llegó su primer gran papel, el del macarra Johnny en Mi hermosa lavandería, la película dirigida por Stephen Frears a partir de un guión del escritor Hanif Kureishi. Cuando apareció en el piso londinense de Frears donde estaban realizando los castings, Daniel les pareció demasiado pijo para el papel al director y al escritor. Pero el actor les mandó una carta explicando por qué era lo suficientemente duro y les convenció. La película fue un éxito, igual que Una habitación con vistas, de James Ivory, también de ese año. En Estados Unidos, los dos filmes se estrenaron el mismo día, y Day-Lewis impresionó a todos con dos interpretaciones tan distintas y profundas.

En un actor británico educado en la tradición de los clásicos, la opción por el cine, y más aún por el americano, puede considerarse como una especie de herejía. “Ésa no fue nunca una elección que yo haya tomado”, se defiende. “Resulta que he trabajado en un buen número de películas americanas, interpretando a personajes americanos, y estoy encantado de haber tenido esa oportunidad. Deseaba intensamente hacer películas, pero en aquel tiempo estaba tan influenciado por Scorsese como por Tony Richardson, Lindsay Anderson o, por encima de todos, Ken Loach, cuya obra me ha alimentado desde que tengo memoria”.

Resulta un placer escuchar hablar a Daniel Day-Lewis. Acento culto con deje irlandés, dicción pausada, voz grave, vocabulario preciso. Se muestra educado, siempre sonriente. Lleva aros en las orejas, gruesos anillos, una pulsera de plata y tatuajes en ambos antebrazos. Entre otras cosas, lleva tatuadas las manos de sus tres hijos.

Desde principios de los noventa, Daniel Day-Lewis vive en Irlanda, en el campo, en un casa georgiana de cinco habitaciones llamada Castlekevin, a los pies de las montañas Wicklow. Primero la compartió con su anterior pareja, la cantante francesa Isabelle Adjani. Pero la cosa no funcionó y rompieron a los ocho meses. Las malas lenguas dijeron que el actor había roto la relación mediante un fax, pero ella lo desmintió. Y el mismo día anunció que estaba esperando un hijo de Daniel. El niño, Gabriel Kane, nació en 1995 y vive con su madre.

Un año después del nacimiento de su primer hijo, Daniel se casó con Rebecca Miller, la hija del dramaturgo Arthur Miller. Tienen dos hijos, Ronan y Cashel Blake, de 10 y 6 años, y los cuatro viven –cuando no están en su dúplex de Manhattan– una tranquila vida de campo en Irlanda. El mismo país donde nació el padre poeta de Daniel y donde él pasaba sus veranos de niño. Ahora, Daniel tiene la doble nacionalidad. “Siempre he estado entre los dos países”, explica. “Mis raíces están en Inglaterra, pero Irlanda era como mi jardín secreto de niño. Igual fue una jugada peligrosa elegir como residencia mi jardín secreto, pero soy muy feliz allí”.

Daniel sigue tomándose su tiempo entre una película y otra. La pausa más grande (cinco años) fue después de The boxer. Realizó una especie de regreso al pasado, sobre el que ahora prefiere no hablar, y que zanja, educadamente, en pocas palabras: “Nunca hablo de ello, pero alguien ha hablado de ello sin mi permiso”. Fueron unos misteriosos años en los que el actor se instaló en Florencia y trabajó como aprendiz de un zapatero a quien, se dice, Day-Lewis daba a cambio clases de interpretación.

También mantiene viva su otra gran afición: las motos. Es fan de Valentino Rossi, y considera que Lorenzo “tiene confianza en sí mismo y es un motorista del demonio”. Con su moto, Day-Lewis ha recorrido mucho mundo. “Hice un viaje increíble por España, de norte a sur”, cuenta. “Recuerdo que en Salamanca me encontré con la Vuelta Ciclista y les seguí hasta León, donde me alojé en el mismo hotel que Induráin y Delgado”. Los viajes en moto eran su vía de escape personal. “Me tiraba meses viajando solo”, recuerda. “Tengo una mochila en la que me cabe todo lo que necesito. Puedo vivir con muy pocas cosas. Bueno, en realidad, eso era antes de tener hijos: ahora tengo suerte si me puedo ir dos días”.

–Y si uno de sus hijos le dijera que quiere ser actor, ¿qué le diría?

–¿No hay alguna otra cosa que puedas hacer? [risas]. La verdad es que no le animaría. Para cada persona que logra ganarse la vida decentemente con esto hay mil personas que perecen espiritualmente. Es un mundo inclemente. No. No lo desearía para ellos. Pero puedo reconocer cuando alguien de verdad necesita hacer algo. Así que lo primero que haría es intentar testar esa necesidad. Y si no necesita eso, que haga otra cosa. Eso es válido para cualquier trabajo creativo: si no lo necesitas, haz otra cosa. En caso contrario no serás más que un falso profeta. Si viera esa necesidad en alguno de mis hijos no me interpondría en su camino. Hacer este trabajo tiene que ser la expresión de una necesidad muy profunda en ti.

Jarmusch y Murray ruedan en Madrid

2008-02-03T09:17:00.000-08:00

Una lluvia fina y persistente cambió el viernes por la tarde la estética de lo que había sido la última semana y media en Madrid, donde el sol predominó por encima de las inclemencias que ahora sí tenemos encima. Sin embargo, el agüilla no fue impedimento para que por el barrio de Malasaña, en la Plaza de San Ildefonso, la gente hiciera su recorrido habitual y, entre ella, alguien con el rostro de uno de los personajes de Tim Burton. Se trataba del cineasta independiente Jim Jarmusch, que lleva cerca de un mes en Madrid. Pocos, los más avezados sólo, fueron los que se dieron cuenta de quién era, aunque su físico es de los que no se olvidan. «¿Pero hasta que lo asocias?» Decía una pareja que al final dio en el clavo: «Es uno de los hijos de la duquesa de Alba».
Así las cosas, el director norteamericano iba a lo suyo, que era mirar localizaciones o, mejor dicho, revisar las localizaciones por las que uno de los mejores actores de comedia y no comedia, Bill Murray («Lost In Translation», «Atrapado en el tiempo»...), desempeñará el personaje protagonista de «Los límites del control», junto -según dicen- a una de las actrices chinas con más proyección internacional: Ziyi Zhang, la protagonista de «Memorias de una geisha», de Rob Marshall, que ha pisado este fin de semana la capital de España.
El equipo al completo
El equipo al completo, al menos el técnico, tiene que estar como un solo hombre el lunes por la mañana en el aeropuerto de Barajas. Con o sin Murray, que para eso es la estrella y entre en plano cuando le toca aunque, lógicamente, también está en Madrid. Ambos repiten tras el éxito de la premiada «Flores rotas», rodada en 2005, año en el que el actor intervino en «The Lost City», junto a la actriz española Inés Sastre, y dirigidos por Andy García. A sus 57 años, Murray vive uno de sus mejores momentos profesionales. Atrás quedan los años en los que luchó para cambiar de registro. Ahora elige el género.
La Madrid Film Commission ha estado al pie del cañón para colaborar con Calle Cruzada S.L. en la agilización de los permisos de rodaje y trámites, con el apoyo de instituciones, empresas y organismos presentes en la Comunidad de Madrid, como Renfe, ADIF, la Empresa Municipal Promoción de Madrid, la Dirección General de Movilidad del Área de Gobierno de Seguridad y Movilidad del Ayuntamiento de Madrid e IFEMA.
De esta manera, y al igual que Paul Greengrass con «El ultimátum de Bourne, el equipo» de Jarmusch podrá filmar en la línea del AVE de la Estación de Atocha, en Torres Blancas, el Museo Reina Sofía, dentro y fuera del restaurante Casa Patas y en la Plaza de San Ildefonso. Para la continuidad narrativa del filme, de las tomas de Atocha saltarán con las cámaras a Sevilla, a la Estación de Santa Justa y, a continuación, Almería.
Varias semanas de trabajo junto a profesionales españoles y a las órdenes del director de «Dead Man», que sigue los pasos de Woody Allen al elegir España como plató internacional de rodajes internacionales. De momento, les tendremos cuatro o cinco semanas entre nosotros, de las nueve que tienen previstas para finalizar la película.

R. I. P.

2008-01-22T19:46:00.001-08:00

HA MUERTO VAMPIRA

2008-01-16T06:39:00.000-08:00

Maila Nurmi, más conocida como Vampira, ha fallecido a los 86 años de edad. Maila se dio a conocer en la televisión americana en los años 50 por presentar un programa televisivo (que años más tarde Cassandra Peterson copió con Elvira y por el que fue llevada a los tribunales) y se convirtió en un sex-symbol de la época.

Ed Wood le ofreció un papel en su "obra cumbre" Plan 9 Del Otro Espacio e incluso Tim Burton no se olvidó de ella y en su particular visión de la vida del "peor director de todos los tiempos", fue homenajeada por Lisa Marie.

Descanse en Paz.

Freddie Highmore, el chico de los ojos más tristes

2008-01-07T06:10:00.000-08:00

Un par de enormes ojos azules alcanzan. Ese par de ojos son suficientes para comunicar toda la tristeza y la añoranza que siente el chico más raro del orfanato por esos padres que nunca vio pero que escucha y lo escuchan, aunque él todavía no lo sepa.

Freddie Highmore es el protagonista de Mi nombre es August Rush , la película que Distribution Company presentará este jueves en la Argentina. El actor que el mes que viene cumplirá 15 años le presta su expresiva cara y su voz rasposa a esta fábula moderna que toma mucho de Oliver Twist, pero con Nueva York y el ambiente musical que parece respirarse en cada una de sus calles como fondo. Allí se conocen la chelista Lyla, interpretada por Keri Russell (ver aparte), y el rockero Louis (Jonathan Rhys Meyers), que se enamoran a primera vista y se separan casi con la misma rapidez. Y de ese encuentro nace August, que termina alejado de sus padres y buscándolos siempre a través de la música que el chico percibe en todos lados.

Para demostrar las excentricidades de August y ponerles una cara a todas las tribulaciones que el chico pasa en su viaje iniciático, ningún actor infantil podía hacer mejor el trabajo que Highmore. Si hasta es capaz de atenuar en algo la sobreactuación y los exabruptos de Robin Williams, al que le tocó el papel del villano de la historia. Como una suerte de Fagin, el ambiguo malvado de Oliver Twist , el Wizard de Williams es puro grito, mientras que el August de Highmore es poco menos que un susurro. Está claro que el estilo del joven actor tiene más que ver con las sutilezas de Johnny Depp que con el trazo grueso del protagonista de La sociedad de los poetas muertos. Y no sorprende. Después de todo, Highmore trabajó dos veces con Depp: la primera en Descubriendo el país de Nunca Jamás y luego,por recomendación del actor, fue Charlie en Charlie y la fábrica de chocolate, de Tim Burton. Si en el film que relataba la vida de J. M. Barrie, el creador de Peter Pan , el chico nacido en Londres lograba conmover y destacarse en pantalla a pesar de compartirla con intérpretes tan carismáticos como el propio Depp, Kate Winslet y Julie Christie, en el film de Burton era el único personaje que imponía cierta normalidad en el extraño mundo de Willy Wonka, y sin perder su natural encanto.

Crecer en pantalla

Son muchos los que piensan que ser actor infantil es sinónimo de futuro chico-problema. No faltan ejemplos de esas historias de ascenso y caída, de esos jóvenes intérpretes que en sus primeros años de vida aparecen en pantalla como pobres angelitos para luego transformarse en descarriados adolescentes sólo por efecto del paso del tiempo. Macauley Culkin ( Mi pobre angelito ) y Haley Joel Osment ( Sexto sentido ) encabezan esa infame lista a la que Highmore debería escaparles tanto como a los paparazzi que suelen acosar también a las estrellas menores de edad. A diferencia de aquellos actorcitos nacidos en Hollywood en medio de familias ávidas de vivir el sueño de pertenecer al mundo del espectáculo, los padres de Freddie ya eran de ese selecto grupo cuando su hijo mostró interés por la actuación. Su mamá es una respetada representante -de hecho, es responsable de la carrera de ese otro famosísimo intérprete británico, Daniel "Harry Potter" Radcliffe- y papá Edward es un conocido actor en Inglaterra.

A los 7 años, Freddie comenzó su carrera en una pequeña película protagonizada por Helena Bonham Carter, que interpretaba a su mamá, papel que repitió un tiempo después en Charlie y la fábrica de chocolate, y ya no se detuvo. Varios roles televisivos lo llevaron hasta una participación en Dos tigres, deJean-Jacques Annaud, y de allí al personaje que cambiaría su carrera, el de Peter Llewelyn Davies, en la reconstrucción que hizo el director Marc Foster del origen de Peter Pan.

Aunque de aquella película a Mi nombre es August Rush pasaron poco más de tres años, fue un tiempo muy agitado para Highmore, un ferviente seguidor del Arsenal, el club inglés de fútbol del que intenta no perderse un partido, algo que no le resulta fácil con su ocupada carrera. Después del film de Burton, Freddie fue convocado para trabajar con otro importante director, Ridley Scott. La película fue Un buen año y, aunque resultó un proyecto fallido, le dio la oportunidad de interpretar la versión infantil de Russell Crowe y compartir pantalla con el gran Albert Finney.

Y como si estuviera repasando una lista con los trabajos más interesantes disponibles para un actor menor de 15 años, casi simultáneamente con la filmación en Francia con Scott, Highmore se metió en el mundo creado por el director francés Luc Besson para Arthur y los minimoys. Fantasía que mezcla actores reales con personajes animados, esta película le dio al actor la primera oportunidad de prestarle su voz a una figura creada por computadora. No sería la última. En la versión subtitulada de la recientemente estrenada La brújula dorada no se lo ve, pero se escucha al joven actor como Pantalaimon, el extraño animalito de formas cambiantes que acompaña siempre a la protagonista del film adaptado de la trilogía de novelas creada por el autor británico Philip Pullman. Aunque la voz de Highmore no fue la primera elección del director, lo cierto es que su tono entre infantil y cascado, que suena como si el futuro quinceañero hubiese tomado unos cuantos whiskies y fumado más de la cuenta, encaja perfecto en el universo de fantástico de la película. Algo que vuelve a ocurrir en Mi nombre es August Rush, donde por primera vez el actor británico intentó, con éxito, el acento norteamericano.

Representar lo mejor posible el innato talento musical de su personaje fue otro de los desafíos que le presentó esta película a la joven promesa del cine. August toca la guitarra, el piano y hasta un enorme organo de iglesia sin haber recibido nunca una clase formal de música, algo que sí hizo el actor. Claro que sus clases de clarinete no se comparan exactamente con las actividades de su personaje que, en la historia, debe dirigir a la orquesta filarmónica de Nueva York.

Próximamente, ya como actor adolescente, Highmore protagonizará Las crónicas de Spiderwick (aquí se estrenará el 20 de marzo). Allí le tocará interpretar a los mellizos Jared y Simon Grace, que se mudan con su madre y su hermana a una casa en el campo y descubren un mundo de fantasía al que los espectadores serán invitados por cortesía de los expresivos ojos de Freddie Higmore.

Pequeña gran carrera

Descubriendo el país de Nunca Jamás: interpreta a Peter Llewelyn Davies, el chico que, se supone, inspiró la creación de Peter Pan. Fue su primera colaboración con Johnny Depp.

Charlie y la fábrica de chocolate: aquí es el tierno Charlie Bucket, uno de los afortunados chicos invitados a conocer la fábrica de chocolate de Willy Wonka, también interpretado por Depp. Dirigió Tim Burton.

Un buen año: comedia romántica protagonizada por Russell Crowe y dirigida por Ridley Scott. A Highmore le tocó hacer la versión infantil del personaje de Crowe.

Arthur y los minimoys: fantasía que mezcla actores y animación digital, de Luc Besson.

Mi nombre es August Rush: el actor hace un acento norteamericano y vuelve a demostrar su capacidad para conmover.

Fuente: La Nación

La chica del mostrador

2007-10-08T14:08:00.000-07:00

Shopgirl (2005)

Relationships don't always fit like a glove.

Sinopsis: Cuenta la historia de una dependienta desencantada que aspira a ser artista (Claire Danes), pero que por el momento se conforma con vender guantes y accesorios en unos grandes almacenes. En su vida hay dos hombres: el rico y divorciado Ray Porter (Steve Martin), y un músico llamado Jeremy (Jason Schwartzman). Ella se enamora de Ray, por lo que su vida da un vuelco, pero se da cuenta de que tiene que centrarse y decidirse por uno de los dos en su vida...

Elenco: Claire Danes, Steve Martin, Jason Schwartzman, Bridgette Wilson

Director: Anand Tucker

Mi opinión: Shopgirl es una película que realmente me gustó mucho. Tengo entendido que está basado en una novela escrita por Steve Martin, quien aquí protagoniza el film y escribe el guión. Claire Danes es una gran joven actriz que aquí interpreta a una Mirabelle que, debo reconocer, por momentos me asustó... Me asustó el verla tan parecida a alguien que conozco (mmmm...), sabiendo que no necesitás que te pase lo mismo que a ese personaje para notar cuánto hay en común, que reaccionarías de la misma manera, etc. Steve Martin es Ray Porter, un hombre que puede llegar a ser muy encantador y del cual seguramente no sería difícil de enamorarse (si no fuera porque a mí personalmente Martin no me resulta atractivo, no así por su edad, ojo), pero que por miedo a sufrir quizás, prefiere una relación que no sólo no lo llena a él, sino tampoco a la persona con la que se la comparte. Y Jason Schwartzman... ¿qué se puede decir de él? Parece haber nacido para ese tipo de personajes, tiernos, divertidos, únicos.
El film lo tiene todo. Puede ser muy divertido por momentos, por otros más románticos y por otros un poco más tristes. Y por momentos llega a parecer casi mágico, quizás por la música y los continuos enfoques a un cielo estrellado.

Web Oficial
http://shopgirl.movies.go.com/

Frases memorables

Mirabelle: Are you the kind of person that takes time to get to know, and then once you get to know them... they're fabulous?
Jeremy Kraft: Yes, absolutely... What?

Jeremy Kraft: Congratulations. You've officially gone on a date with Jeremy. Don't forget to hold the handle when you lock the door.

Ray Porter: When I'm in New York next week, I decided to look for an apartment there.
Mirabelle: To move there?
Ray Porter: Just a place to stay while I'm there. No more luggage. Whoo-hoo!
Mirabelle: Like a crash pad. You lucky mister.
Ray Porter: Actually, I'll look for a three-bedroom in case I meet someone and have kids.

Female radio personality: A woman needs to be held, even, and science has shown this, if its with someone she doesn't care about. Protective hormones are released, and the amount of hormones released depends on the degree to which she is held. The first and best is the complete surround. He wraps you in both arms, whispers how beautiful you are. Second best is the 'arm around.' He is next to you but with one arm around you. Third is he's just next to you on his elbow, but he rests his hand on your stomach and looks at you. Fourth is you snuggling up to him with your head on his chest, while he looks away into space. But when the first best happens, you feel completely, wonderfully like a woman.

Ray Porter: As Ray Porter watches Mirabelle walk away he feels a loss. How is it possible, he thinks, to miss a woman whom he kept at a distance so that when she was gone he would not miss her. Only then does he realize that wanting part of her and not all of her had hurt them both and how he cannot justify his actions except that... well... it was life.

Wallace & Gromit: The curse of the Were-Rabbit

2007-09-07T16:23:00.000-07:00

Película que me gustó mucho. Original, ingeniosa y genialmente creada. Se sabe que este tipo de animación es muy largo y costoso, pero cómo vale la pena. Personalmente, la disfruté mucho.

Across the Universe

2007-09-06T19:27:00.001-07:00

Por la música y las imágenes, me dieron ganas de verla. Esperemos no defraude.

Estreno en USA: 21 de septiembre

Estreno en Argentina: ojalá supiera

The Darjeeling Limited

2007-08-30T15:36:00.000-07:00

País: USA

Estreno en USA: 29/09/2007

Productora: Fox Searchlight Pictures

Director: Wes Anderson

Guión: Wes Anderson, Jason Schwartzman, Roman Coppola

Reparto: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Angelica Houston, Natalie Portman

Narra la historia de tres hermanos que tras morirse su padre deciden viajar a la India para fortalecer los lazos familiares y buscar a su madre. Francis, el hijo mayor propone que viajen en el “Darjeeling Limited”, una línea ferroviaria del país. Pero su estrafalario comportamiento hace que los echen del tren, lo que supondrá que verán el país desde otra perspectiva.

Owen Wilson

2007-08-29T14:18:00.000-07:00

Simplemente deseándole lo mejor. Que se recupere pronto que el mundo necesita sus risas.

Streets of Fire: A Rock & Roll Fable.

2007-08-19T16:10:00.000-07:00

Tonight is what it means to be young.

Un film que tuve oportunidad de ver casi de casualidad. Y que no sólo me llamó la atención y me resultó muy entretenido, sino que me encantó.

Película de acción, aventuras y mucha música de la buena. Michael Paré, Willem Dafoe y una joven y bellísima Diane Lane.

The Last Kiss: We all make choices. What's yours?

2007-07-29T15:56:00.000-07:00

Amo a Zach Braff y a Tom Wilkinson. Pero juro que lo que me gustó este film no tiene nada que ver con eso. Podrían ser dos simples desconocidos, como las dos jóvenes protagonistas (que sólo conocía una y de nombre) que no dejarían de llamarme la atención.

El resto del elenco. La estupenda banda sonora. Las historias diferentes pero parecidas. Un guión muy realista. Humor. Sexo. Drama. Relaciones. Amor. Familia. Cambios. Madurar.

En fin, sin mucho que decir, me encantó esta película. La recomiendo. Sobretodo para los treintañeros con sus crisis.

Being Julia: Passion. Obsession. Revenge. Prepare for the performance of a lifetime.

2007-07-29T11:59:00.000-07:00

Ayer vi este film casualmente por cable, y quedé completamente deslumbrada. Me gustó muchísimo.

Annette Benning es estupenda, Jeremy Irons siempre fue de mis actores preferidos, y quien me encantó en el film, tanto su personaje como su performance, fue Michael Gambon.

La música que la acompaña, me pareció sublime y perfecta para cada escena.

Yo, personalmente, la disfruté mucho.

Quentin Tarantino planea incursionar en el cine bélico

2007-07-27T17:59:00.000-07:00

El cineasta norteamericano Quentin Tarantino tiene pensando explorar el cine bélico, un género inédito en lo que va de su carrera.
Durante el Gran Premio de Fórmula 1 de Europa, al que Tarantino concurrió en Alemania, el director de "Perros de la calle" y "Kill Bill" anunció que su próxima producción será sobre la Segunda Guerra Mundial.

"Se trata de una especie de spaguetti western ambientado en la Segunda Guerra Mundial y aunque no lo llamaría así, si tuviera que elegir un subtítulo sería Érase una vez en la Francia ocupada por los nazis", dijo Tarantino, en referencia al western "Érase una vez en el oeste" del director italiano Sergio Leone.

El último trabajo del cineasta fue "Grindhouse", la doble cinta producida junto a su amigo, Robert Rodriguez, en la que Tarantino rodó "Death Proof" y Rodriguez "Planet Terror".

Harry Potter and the Order of the Phoenix

2007-07-13T18:27:00.000-07:00

Hoy la fui a ver al cine.

¿Me gustó? Sí. No me resultó espectacular ni nada por el estilo.

Es que al haber leído el libro antes, creí que no sólo faltaron partes, escenas, sino que le faltó mucho sentimiento a muchos personajes. Es como que si no dicen cómo se sienten, uno no se puede dar cuenta. Hablo de Harry Potter sintiéndose como Voldemort, o de esa relación entre Sirius y Harry que estaba tan rica en el libro, y que aquí no la sentí lo suficientemente poderosa, fuerte.

Y otra cosa que no me gustó fue que muchos actores estuvieran completamente desperdiciados, siendo el mejor ejemplo, el de Emma Thompson, que no aparecerá más de cinco minutos durante todo el film, y que en ningun momento mencionan que fue ella la que hizo la profecía, recordando, en el film, que no puede "predecir nada" ante el pedido de Umbridge.

Lo que sí me gustó. Sobretodo, es decir, lo que más me gusto, fue el personaje de bellatrix Lestrange interpretado por una de las, consideradas por mí, mejores actrices del mundo. Por supuesto que su talento aquí está un poco desperdiciado, al lado de otros films suyos, pero a mí personalmente me gustó muchísimo. Como típica "mala de película", creo que se hace odiar, no por mí, que nunca podría odiarla ni en la ficción.

Jason Isaacs y Alan Rickman (mis dos preferidos de toda la saga) siguen tan correctos como siempre en suis personajes. Y no lo digo sólo porque me encantan los dos.

Imelda Staunton es una de las actrices que se roban la película, no sólo por su personaje, sino porque es uno de los que más aparece. ¡Ojo! Que lo hace muy bien. Puede llegar a ser casi tan irritante como en el libro.

El trío de jóvenes magos como siempre estuvieron muy bien. Sí, los muchachos son jóvenes y talentosos. En cuanto a Evanna Lynch, Luna Lovegood, me gustó, pero creo que su personaje podría haber sido mucho más rico.

Un personaje que en el libro me encantó y que aquí aparece muy poco es el de Tonks. Una pena. Pero súper entendible.

Gary Oldman excelente. Como siempre, como en cada film suyo.

Y Ralph Fiennes... increíble creer que tras ese Voldemor pelado, sin nariz, ese monstruo, se encuentre un hombre tan precioso como él lo es. Su interpretación, tal como en el film anterior, deslumbrante. Tiene tanto poder en la pantalla, como su personaje en la historia.

En fin, un film interesante, pero me quedo con el libro.

Santa Maradona

2007-07-12T20:06:00.000-07:00

Andrea, un joven italiano de casi treinta años, vive en Turín con un amigo llamado Bart. Ellos no logran definir sus deseos y su accionar consiste en una deriva incesante. Andrea concurre a sucesivas entrevistas laborales en las cuales es rechazado. Él necesita del trabajo pero detesta insertarse en un sistema económico que reduce la realidad a una fórmula numérica. El trío se completa con Lucía, una ítalo-hindú con una vida sentimental más bien complicada.

Título original: Santa Maradona

Páís: Italia

Dirección: Marco Ponti

Guión: Marco Ponti

Elenco: Stefano Accorsi, Anita Caprioli, Libero De Rienzo, Mandala Tayde

Wes Anderson

2007-07-09T11:54:00.000-07:00

DATOS BIOGRÁFICOS

Nacido en Austin, Texas. 38 años.

PELICULAS

1-LADRON QUE ROBA A LADRON. Bottle Rocket. 1996.

2-ACADEMIA RUSHMORE. Rushmore. 1998.

3-LOS TENENBAUMS. UNA FAMILIA DE GENIOS. The Royal Tenenbaums. 2001.

4-LIFE AQUATIC. The Life Aquatic With Steve Zissou. 2004.

FAMILIA

La familia es el tema central de su obra. Ya en Bottle Rocket tenemos la relación entre Bob y su hermano o la de Anthony y su hermana Grace. Esta última relación recuerda a la de Gregory y su hermana en GREGORY'S GIRL; dos crias mucho más sensatas que sus respectivos hermanos mayores. En The Royal Tenenbaums ya toda la historia gira en torno a la familia.

OWEN WILSON

Imprescindible, hasta el momento, pareja artística de Wes Anderson. Ha participado en toda su filmografía desde la primera versión de Bottle Rocket, un cortometraje en Blanco y negro de 16 minutos. Ha sido co-guionista de las tres primeras películas de Anderson y actor en todas ellas. Si ahora mismo no caen sobre quién es este actor, decirles que es HANSEL, en un principio némesis de DERECK ZOOLANDER y luego aliado de este en Zoolander (BEN STILLER. 2001).

FONDO

En el cine de Anderson tan importante es lo que muestra la cámara en primer plano como lo que se oculta al fondo. En la profundidad de campo pueden ocultarse gags que enriquecen la escena y promueven nuevas revisiones de su obra.

AMOR Vs.TRAGEDIA

Todas sus películas son comedias en las que se insertan elementos trágicos. También podría decirse que son tragedias con elementos de comedia. Ese Humor Triste del que ya se ha habaldo alguna vez en el blog. Hay muerte; la del eterno compañero de aventuras de Steve Zizzou en Life Aquatic o la del patriarca de los Tenenbaum. Hay amor; el que siente el personaje de Luke Wilson por Inez o el de Max Fisher, pésimo estudiante, por su profesora Miss CROSS.

BIZARRE LOVE TRIANGLE

Muchos y variados. Max compite con el padre de dos compañeros suyos de colegio. Ned Plimpton y Steve Zissou compiten por el de la periodista interpretada por Cathe Blanchett. El rival de Max y Steve Zissou estan interpretados por BILL MURRAY. En el primer caso es él el que se lleva el gato al agua.

MUSICA

Impecable el gusto musical de este hombre. De los dos temas de LOVE en Battle Rocket a las versiones de BOWIE en clave Bossa y en portugues de Life Aquatic todas sus películas se escuchan en casa con tanto palcer como se ven en el cine.

Listas Top #5 de Rob Gordon y sus amigos (High Fidelity)

2007-07-05T14:12:00.000-07:00

Cinco rupturas memorables, por orden cronológico:

Alison Ashmore

Penny Hardwick

Jackie Alden

Charlie Nicholson

Sarah Kendrew

Cinco cantantes favoritos de Penny:

Carly Simon

Carole King

James Taylor

Cat Stevens

Elton John

Los cinco singles principales, cara A:

Janie Jones, The Clash

Let's Get it On, Marvin Gaye

Smells Like Teen Spirit, Nirvana

White Light/White Heat, Velvet Underground

Radiation Ruling the Nation, Massive Attack

Mis cinco trabajos de ensueño:

Periodista de la revista Rolling Stone entre 1976 y 1979

Productor de Atlantic Records entre 1964 y 1971

Ser cualquier tipo de músico

Ser director de cine

Arquitecto

Las cinco cosas que echo de menos de Laura:

Sentido del humor

Tiene carácter

No olvido su olor ni su sabor

Me mola como va por la vida

Una cosita que hace en la cama cuando no puede dormir...

Cinco mejores canciones sobre la muerte:

Leader of the Pack

Dead Man's Curve

Tell Laura I Love Her

One Step Beyond, Madness

Wreck of the Edmund Fitzgerald, Gordon Lightfoot

Garden State (Tiempo de volver)

2007-06-26T11:53:00.000-07:00

Andrew Largeman se arrastra por la vida en un coma inducido por el litio, hasta que la muerte de su madre lo inspira a tomarse unas vacaciones de las píldoras para ver qué podría ocurrir sin ellas. Siendo un actor de televisión moderadamente exitoso que vive en Los Angeles, no ha vuelto a su casa desde hace nueve años. Andrew no ha sido capaz de sustraerse a la dominación de su padre. Asombrado de verse en su ciudad natal tras una ausencia tan prolongada, se encuentra con viejos conocidos a la vuelta de cada esquina. Mientras tanto, en su casa, hace lo posible para evitar la antigua pero inevitable confrontación con su padre. Por un giro del destino, conoce a Sam, una muchacha que es todo lo que él no es. Sam se convierte en una compinche que se rehúsa a viajar de acompañante. Su calidez y audacia le brindan a Andrew el coraje para abrir su corazón al goce y al dolor del infinito abismo que es la vida.

Origen: EE.UU.

Reparto: Zach Braff, Natalie Portman, Peter Saarsgard, Ian Holm.

Director: Zach Braff

Género: Drama

Duración: 102 minutos

ALGO EN COMÚN

Con este título se conoció en España la ópera prima de Zach Braff, y algo en común, también, guarda con cientos de esas películas de treintañeros en crisis: el regreso al hogar después de varios años, el distanciamiento entre un padre y un hijo, el encuentro con los viejos amigos de la infancia que ahora resultan ilustres desconocidos, la frustración que supone una carrera que pudo ser y no fue, el amor en la figura de la chica alegre y aventurera, algunos estimulantes, y la exacta convicción de no saber en qué camino calzar la vida... algunos de los eslabones del relato.

Sin embargo, a pesar de estos condimentos usados hasta el hartazgo, en Tiempo de volver, el promisorio Braff -quien además de ser el autor del guión es el protagonista junto a una extrovertida Natalie Portman y un magistral Peter Sarsgaard- da una vuelta de tuerca a lo conocido y el resultado es una obra maravillosa, que no subestima la inteligencia del espectador. Una propuesta perspicaz que, con sello de cine independiente, apela a la melancolía, a la sensibilidad y a la excentricidad.

Mucho para captar: discursos memorables, escenas precisas y una magnífica banda sonora que forma un solo paso con el de la narración. Una verdadera obra maestra, que gradúa al debutante con honores.

Actriz precoz, reina adolescente

2007-06-25T18:04:00.000-07:00

UNA ACTRIZ PRECOZ EN LA PIEL DE UNA REINA PREMATURA, MARIA ANTONIETA, LA ULTIMA DE LA MONARQUIA FRANCESA. SU SEGUNDO TRABAJO EN SOCIEDAD CON SOFIA COPPOLA, A LA QUE CONOCIO COMO DIRECTORA EN LAS VIRGENES SUICIDAS (1999). UN PROTAGONICO CASI EXCLUYENTE ESTA VEZ, QUE LA PONE A PRUEBA EN UN RELATO DE POCAS PALABRAS Y DENODADO ESPLENDOR VISUAL.

Kirsten Dunst

La cámara la sigue por los pasillos del Palacio de Versalles -donde se rodó buena parte del film-, se mete en su alcoba real, traspasa con ella los salones rococó del siglo XVIII, controla su ajuar, sus andanzas nocturnas. La cámara va con ella a lo largo de casi todo el metraje. Y Kirsten Dunst, esta chica-actriz de 24 años, está ahí con su María Antonieta para demostrar que efectivamente los sets son su elemento. Nunca parece intimidada, nunca parece sentir el peso de un relato que se apoya básicamente en sus expresiones, en sus gestos, en sus emociones. Está muy bien acompañada por Jason Schwartzman, por Steve Coogan y otros, es cierto, pero lo que aquí importa es esa adolescente que de la noche a la mañana se ve en la obligacion de transformarse en mujer y en reina de Francia casi al mismo tiempo. Hacia el conflicto y las consecuencias de esta metamorfosis apunta la camara de Sofia Coppola, quien presenta una interesante version de Maria Antonieta: púber y al borde de lo naif. Muy lejos de la guillotina.

¿Dirías que esta película presenta a María Antonieta como la Paris Hilton de la realeza francesa del siglo XVIII?

No me parece. Ella fue reina de Francia, lo cual es totalmente diferente, al menos para mi. Cualquiera puede tener cosas en común con estas adolescentes, y con esta chica que trata de encontrar su identidad en el mundo. Un mundo en el que no está desarrollándose como ser humano, sino que más funciona como instrumento de su madre y de Francia. Ella tiene un deber, y ni siquiera puede cumplirlo. Creo que la película funciona como una evasion para el espectador.

Si se quiere, la infancia de Maria Antonieta y la tuya pueden llegar a tener algo en comun: vos tambien conociste la fama de chiquita. ¿Encontraste paralelos?

Mirá, haciendo la pelicula nunca se me ocurrio comparar, porque cuando estás en una escena tu presente es esa escena. Quiero decir: esos sentimientos, en ese momento, estan dentro mio. Puedo entender la sensacion de asilamiento, de ser juzgada, y Sofia (Coppola) también. Lo mismo con la sensación de tratar de encontrarse a una misma, y de ser una mujer.

¿Cómo fue trabajar con Jason Schwartzman?

A Jason lo adoro. Somos muy buenos amigos, y durante la pelicula nos hicimos todavia mas intimos. Es tan especial estar casados en una pelicula... A mí esas escenas siempre me sacaban un gran peso de encima, porque me parecia que él era el único personaje de la película que de verdad podía entender qué sentía María. Para mi fue un gran apoyo a lo largo de la filmación.

¿Qué opinás de que la prensa -y hasta los fans- se refieran a las celebridades y a las estrellas cinematográficas como "la realeza norteamericana"?

Bueno, somos actores, no gobernamos un país. Me parece totalmente desproporcionado. Todos se obsesionan con la fama y el dinero: los programas de televisión, las revistas. Más que nada, se trata de llevar cierto estilo de vida, la vida que todos se imaginan que llevan las celebridades, los lujos de los que se rodean.

¿Cómo ves tu propia fama? ¿Leés lo que dicen de vos las revistas, o las reseñas de tu película?

No. No he leído reseñas, pero no me veo como una celebridad, y cuando tengo esa sensación me pongo muy incómoda...

¿Alguna vez te disfrazaste para salir a la calle?

No, me resulta agotador levantarme a la mañana y pensar que tengo que disfrazarme para salir. No puedo vivir así.

María Antonieta tiene una dirección de arte impresionante, unos decorados lujosísimos y un vestuario deslumbrante. Visualmente, es increíble. ¿Podés hablarnos sobre la imagen de la película?

Tiene como una sensibilidad muy moderna, porque es fresca y llena de vida, con todos esos colores... Nada se veía viejo o reciclado. Creo que lo que Sofia buscó es que el público estuviera ahí con nosotros, en ese ambiente, lo más presente posible. Entonces los colores no son como los que suelen verse en películas de época, o en las adaptaciones de clásicos para televisión, donde todo parece un poco desgastado, como usado. Creo que en este caso la sensación es que todo está muy vido.

¿Sabés si los disfraces eran precisos desde el punto de vista histórico?

Creo que sí. Es decir, eran todos de Milena (Canonero). Se siguieron todas las indicaciones en cuanto a la moda de la época.

En varios sentidos, estas jóvenes de la corte de María Antonieta estaban creando su propia moda. ¿Eso te entusiasmó?

Totalmente. También Milena me dio herramientas para crear mi propia imagen. A la mañana había polleras de todos los colores, con la parte de arriba, los accesorios, todas esas cosas. Yo misma podía armar las combinaciones.

¿Fue un desafío trabajar con una forma narrativa como la de María Antonieta?

Sí, porque el guión era un poco disperso, y realmente dejaba mucho a mi criterio. Me pareció que Maria Antonieta fue una reina muy infantil, casi con déficit de atención. Como que hacía una cosa y enseguida pasaba a otra. No creo que alguna vez haya sentido como mujer. Ella se siente amenazada, y su marido no le presta ninguna atención. Para mí, todo empieza a relacionarse con los pasteles, con el gusto que tienen. ¿Por qué no me mira a mí como mira su comida, no me desea como desea su comida? Todo se me convirtió en un festín para los sentidos, porque no había mucho diálogo. Era yo sola, así que sí, fue difícil. Te volves vulnerable, da miedo.

Cuando estás haciendo una película glamorosa como ésta, en la que todo colma tus sentidos, ¿es difícil mantenerte en foco?

Bueno, eso era parte de lo que me parece que fue el personaje. Yo trataba de buscar la escencia d elo que para mi era ella. Pero todo se mantenia en un nivel muy intimo. La pelicula no pasa por los decorados, pasa mas por la gente. Y creo que se trata mas de la historia de los sentimientos que de los hechos. Cualquier sentimiento arrollador era apropiado para alguien que entrara en esa casa de Versalles; sentirse alienado, extraño, como en exhibicion. Asi que estaba bien tener esos sentimientos, me parece.

¿En algun momento tuviste la sensacion de que estabas haciendo el papel de Sofia Coppola, que en cierto sentido pertenece a la "realeza norteamericana"? Es decir, asi como nacio paso a ser juzgada en relacion con su entorno familiar.

A mi me parece que ella tiene una relacion personal con todas sus peliculas; si no, no las haria. Por supuesto que tuvo que sentirse identificada con esta gente, o no habria hecho una pelicula asi. Van a tener que preguntarle a Sofia, porque yo nunca senti que la estaba interpretando a ella.

¿Terminaste de filmar El hombre araña 3?

Terminamos, pero me quedan por hacer algunas cositas de "pantalla azul". Siempre hay algunos efectos especiales que agregar. Pero creo que va a ser tremenda. ¡Hay tantos personajes y villanos! Un montón. Creo que voy a sorprenderme cuando vea la película.

¿Ya es tiempo de dejar El Hombre araña? Si Sam Raimi dirigiera la cuarta, ¿considerarias hacerla igual?

Sin Sam, no. El es el corazon de la pelicula. De ninguna manera. Es por el que la pelicula es tan especial: siente tanta pasion por el Hombre Araña; y ademas tiene chicos, asi que siente esa responsabilidad hacia su publico. Respecto de que haya una cuarta, no puedo decir que sea imposibnle. A mi me parece que con tres esta bien. Mi contrato es solamente hasta la tres, y la verdad es que no me veo haciendo una cuarta y una quinta. De todas maneras, no las haria sin Sam. El es nuestro pegamento.

Si repasas tu carrera, ?cuanta de tu confianza como actriz y de tu capacidad para hacer peliculas mas riesgosas se las debes al exito de esta pelicula? ¿de que manera te ayudo la saga como actriz?

La gran ayuda fue que no tengo que preocuparme por mis finanzas (risas). Eso ayuda, claro. Y si, me da la posibilidad de no preocuparme por distintas cosas, y puedo hacer la pelicula que yo quiera, aunque sea un riesgo.

¿Ahora podes hacer cualquier pelicula porque no tenes que preocuparte por cuanto van a pagarte?

Exacto. Es decir, para algunas personas, o para los estudios, todo se reduce a eso. Claro que yo quiero que la gente se emocione con Maria Antonieta.

¿Como elegis las peliculas?

To identifico mi trabajo con lo que creo que me esta pasando. Lo unico que podes hacer es ponerte en un papel. Asi que simplemente trato de ser yo misma, pongo algunas de mis cosas.

¿Y que hace esta vez Mary Jane en El hombre araña?

Es actriz de Broadway. No se. Nunca se que decir y que no decir.

¿No te paso que hablaste de uno de los malos de El Hombre Arña 3 antes de que pudiera contarse?

Yo no dije nada. Fue en una reunion con periodistas, y ellos preguntaron quienes iban a ser algunos de los malos. Yo lo habia visto en la páina IMDB. Le pregunte a mi publicista si ya podia decirse, y el dijo que si; pregunte antes de decirlo. Asi que fue un problema de comunicacion con el estudio, no es que haya querido divulgarlo.

¿Pero no se convirtio en toda una cuestion?

Si, pero tendrian que haber avisado si querian mantenerlo en secreto. A nosotros nadie nos comunico nada. Es decir, yo crei que era algo publico. Un poco lo era, pero nadie lo habia confirmado directamente. Que se yo. No creo que por eso la gente no vaya a ver la pelicula.

¿Te gustaria tener algun superpoder?

(Se rie). ¿Ya me preguntaron esto alguna vez...? Si, si (risas). Creo que la capacidad de curar enfermedades, o algo asi.

¿Que fue lo que mas te sorprendio de Maria Antonieta cuando te pusiste a investigar sobre su vida? ¿Intentaste incluirlo en tu personaje?

Bueno, no sabia que era tan joven. Y despues, pequeñas cosas, como que tenia un perro que se llamaba Mop. Esas cosas son las que me hicieron aparecer como una persona real. No se. Me sorprendio su inocencia, y esa cosa que tenia de querer complacer. Empece a meterme en su psicologia a traves de su madre, que era muy dominantes. Marianne Faithful estuvo perfecta. Tuvo una presencia tan poderosa y arrolladora... Lo que me sorpendio fue ver a Maria Antonieta mas como una persona real que como una figura historica.

¿como fue filmar en el palacio de Versalles?

Increible. Mientras haciamos la pelicula, el lugar era como un personaje viviente para todos nosotros. Fue muy importante poder caminar por esos jardines y mirar por una ventana e imaginarnos que, tal vez, ellos miraban por esa ventana o tocaban ese mismo tapizado, o como sonaban los pasos al caminar. Todas esas cosas ayudaron a entender como habria sido estar alli.

Obviamente influyo en tu personaje.

Es que tambien habria influido hacerlo en un estudio de Burbank. Seguramente habria sido un poquito mas dificil. No se sentiria tanto esa potencia, esa belleza. Creo que fue muy importando poder filmar ahi. Tambien filmamos en algunos castillos de los alrededores. No puedo imaginarme hacer esta pelicula sin estar en Paris. Las peliculas filmadas en lugares o paises que no son realmente donde se supone que transcurre la historia, lo dejan translucir.

¿Hubo alguna regla o restriccion para la filmacion en Versalles?

Bueno, los directores de Versalles estaban siempre ahi. Pero todo les causaba admiracion. Les encantaba ver a todos esos jovenes, que una directora joven viniera y resucitara a Maria Antonieta de una manera tan fresca. Estoy segura de que debe haber habido restricciones respecto de cuanta gente podia estar en una habitacion, o el tipo de luz que podia usarse, esa clase de cosas.

¿No surgio ningun problema?

No. Fuimos respetuosos. Para ellos fue algo inmenso dejarnos filmar alli, donde nunca antes se habia filmado.

La pelicula no muestra toda la vida de Maria Antonieta. ?Que les dirias a los que estan decepcionados por eso?

Bueno, pero se ve un lapso bastante largo de tiempo, y es un lapso de inocencia. Es que ella, como persona, logra crecer o convertirse en mujer solamente cuando enfrenta la realidad de la situacion. Para mi, en la pelicula, eso sucede cuando se inclina desde el balcon y ve su destino. Es decir, era un destino marcado, pero la sensacion de que finalmente hay un proposito, algo real en su vida. Los años que pasó en prisión son muchos, con eso solo podria hcerse otra pelicula. No se, me parece que habria sido demasiado.Es para la segunda parte.

¿Como hicieron con Sofia para equilibrar el acento moderno con el del siglo XVIII?

No, es que no quiso que tuvieramos acento. No quiso que nos dieramos aires de nada, y yo no quise actuar como me parecia que actuaria una reina. Claramente, te comportas de otra manera si estas con el rey o te dirigis a la corte, pero la gente actuaba igual que cualquiera. Tal vez no utilizamos las mismas palabras que se decian en ese entonces, pero Sofia intento que emocionalmente resultara lo mas narrable posible.

Tomaste varias clases de etiqueta para las escenas en la corte, y ademas, clases de baile y de canto para las partes del salon de baile. ¿Fue agotador, o divertido?

Las clases de canto me gustaron muchisimo. Aunque fue dificil aprender a cantar en frances. Me aprendi toda la cancion. Era cortita pero era importante entender la letra, porque ella misma compuso la musica. No la letra, pero si la musica. Bailar no me resulto dificil. Es facil con la ropa y todo.

Cuando pasaron la pelicula en el Festival de Cannes, en Francia, hubo algunos abucheos. ¿que sentiste?

Hubo algunos abucheos en una de las proyecciones, pero era Francia, y nosotros somos todos estadounidenses. Creo que hubiese sido irrespetuoso no mostrar la pelicula en Francia primero. Ellos fueron tan receptivos con nosotros durante la filmacion... Pero creo que a la pelicula no le fue mal en Francia.

Parece que tuvo un estreno rimbombante...

Si, y yo la pase genial en el Festival de Cannes.

¿Como enfrentas la presion de estas peliculas que dependen unicamente de vos para lograr una buena recaudacion?

Mira, yo no me entero de todas esas cosas, porque realmente te pueden volver loca. Es decir, a mis amigos les parece una pelicula hermosa, y eso me pone contenta. Si logre conmoverlos, estoy satisfecha. Yo pienso mas o menos asi.

¿De verdad no te importa si las recaudaciones van bien en los EEUU?

Es genial que sea una pelicula dificil de ignorar, que la gente este hablando de ella, que despierte controversias. De eso deberia tratarse el cine. Asi que no me preocupa como le vaya en los EEUU. Me parece una pelicula preciosa.

¿Tenes, como muchos actores, alguna supersticion a la hora de iflmar una escena?

No. A veces escucho alguna musica en especial, pero no hay algo que haga si o si. Siempre noto que aunque no me sienta del todo segura, o haya algo que me perturbe, cuando estoy lista para filmar ya nada me molesta. A veces esas cosas interfieren si estas insegura o algo no anda bien. La verdad es que no tengo ningun ritual. Creo que no. A la mañana me lavo los dientes y me voy a trabajar.

¿Cual es la proxima pelicula que vas a hacer?

Todavia no estoy segura. No lo se. No tengo apuro en hacer otra pelicula.

¿De cual de tus viejas peliculas te sentis mas orgullosa?

Creo que tendria que decir que de Bring it on. Realmente me senti orgullosa de esa pelicula. Me encanto. Se volvio medio de culto. Era una pelicula cualquiera, que facilmente podria haber sido una mierda (risas). Pero para mi fue una experiencia genial. Y encima de todo, sorpresivamente, fue un exito. Quiero decir: las peliculas de Spiderman son exitos seguros. Pero es muy divertido cuando no sabes que va a pasar con una pelicula, y de golpe sale tan bien y tiene todo un grupo de seguidores. Sin duda ayudo mucho en mi carrera.

Ahora que te separate de Jake Gyllenhaal, despues de una relacion tan larga, ¿que se siente volver al ruedo, a salir con chicos?

Ay, por Dios, ya aprendi a no responder ese tipo de preguntas. Asi que no voy a abrir la boca (risas).

¿Como manejas la fama?¿Ya empiezan a acosarte los paparazzi?

Si, muchisimo. Hace poco me siguieron hasta mi casa, y me dio mucho miedo porque era de noche, tarde. Tengo que ser mas vivia. A veces creo que soy invisible. Pienso: "No, no me quieren fotografias a mi" o "No soy tan famosa". No me doy cuenta de que cada vez la gente me reconoce mas. Yo no me veo de esa manera. Pero es tetrico cuando te siguen hasta tu casa. No se dan por vencidos. Me sacan un monton de fotos aburridas tomando cafe, comiendo, yendo de compras con mis amigas. ¡Que perdida de tiempo!

¿Yesa invacion a tu privacidad no te molesta?

No, a mi que me importa. La verdad es que no me importa. Nunca me vestiria de una manera especial para los paparazzi. Que se vayan a la mierda. Por mi pueden morirse. Es decir, andar siguiendo a una celebridad y a su hijito es invasivo, verdaderamente horrible. Es una invasion a su vida privada. ¿Y si sacan una foto de la escuela del hijo y despues alguie va y lo secuestra?¿De quien va a ser la responsabilidad? Esas cosas si que me indignan. No dejan en paz a las familias. Es suficiente con los estrenos y todo eso, pero ¿por que tienen que meterse en la vida de la gente? Para mi, los hijos y las casas ya son un limite que no deberia pasarse.

¿Que le dirias a una adolescente para tentarla a ver Maria Antonieta?¿Cual te parece que es la escencia de la pelicula?

Es comparable a la escuela secundaria: estas en ese universo aislado que es el coelgio, todos chismorrean, te hacen sentir pesimo, y vos crees que asi es el mundo. Por eso es una historia muy narrable. Creo que es una historia accesible para los jovenes. Ojala les despierte el inmteres saber mas sobre esa gente, mas alla de memorizar fechas y eventos para la escuela.

¿Cual fue tu reaccion la primera vez que viste la pelicula terminada?

De que manera tan personal resumia el tiempio que pase alli filmando, lo que habia significado para mi. Tuve una tremenda sensacion de orgullo. Eso desaparecio las otras veces que la vi, porque ya te pones a pensar en tu actuacion y todo eso. Pero la primera vez realmente me conmovio que todas las sensaciones que habia tenido haciendo la pelicula estuvieran presentes de una forma tan poetica y hermosa. Realmente me senti muy orgullosa de eso.

No reservations

2007-06-25T12:36:00.000-07:00

Catherine Zeta-Jones compone a Kate, una exitosa chef cuya vida parece encarrillada. Sin embargo, una tragedia le exige hacerse cargo de Zoe, su pequeña sobrina de diez años. Al mismo tiempo, llega al restaurant otro chef (Aaron Eckhart), que no le ahorarrá disgustos.

Relegada muchas veces a papeles secundarios en películas con numerosas estrellas, la actriz galesa Catherine Zeta-Jones vuelve a lo que mejor sabe hacer: la comedia romántica, género que tan bien le había sentado cuatro años atrás, cuando fue pareja de George Clooney en El amor cuesta caro. En No Reservations el romance lo aporta la relación entre Kate (Zeta-Jones) y Nick, quien invade el terreno laboral de la protagonista; pues si bien entre ambos chefs la competencia será feroz y aguerrida, la atracción no tardará en surgir. A pesar de que se trata de una historia de amor, el realizador Scott Hicks no quiso restringir la película al género romántico: también abordó la importancia de los vínculos familiares. Kate ya no sólo lidiará con su ajetreada rutina de trabajo, sino que además deberá criar a su sobrina, debido a la repentina muerte de su hermana. Y como prueba de que en Hollywood los actores se comprometen con sus papeles, Zeta-Jones comentó que trabajó de incógnito en un restaurante neoyorquino para darle mayor credibilidad al personaje, puesto que sus dotes culinarias se limitaban a quemar sartenes. Veremos si la preparación le dio buenos resultados. Acompañan a la actriz: Aaron Eckhart, Patricia Clarkson y Abigail Breslin, quien este año fue nominada al Oscar por su inolvidable rol en Pequeña Miss Sunshine.

Su estreno en Argentina estaría previsto para el: 6 de septiembre

The Lookout

2007-06-24T11:43:00.000-07:00

Ópera prima del guionista Scott Frank (Minority Report) sobre las consecuencias de un trágico accidente.

La vida de Chris Pratt (Joseph Gordon-Levitt) va viento en popa. Su futuro como atleta es prometedor y la relación con su novia está libre de problemas. Sin embargo, cuando sufre un accidente por su impericia al volante, esa vida se desmorona. La lesión cerebral que le produjo el choque le impide recordar a corto plazo, por lo que debe ayudarse con un anotador de manera permanente. El panorama se complica aún más cuando comienza a trabajar en un banco y es tentado a robarlo para escapar de su monótona existencia, para lo que solicita la ayuda de dos amigos. Sin embargo, posteriormente se arrepiente e intenta frenar el plan. Completan el elenco Matthew Goode (Match Point) e Isla Fisher (la ninfómana de Los rompebodas).

Estreno en Argentina: 16 de agosto

"Nunca fui a la escuela, siempre al cine"

2007-06-24T11:07:00.000-07:00

Quentin Tarantino

Durante sus años escolares ya presentaba ciertos rasgos de comportamiento que hoy en día siguen siendo visibles: constante gesticulación, rapidez al hablar y personalidad hiperactiva. Debido a todo esto, sus profesores sugirieron medicarlo con Ritalin, a lo que su madre se negó rotundamente.

A los 14 años ya había escrito su primer guión, titulado Captain Peachfuzz and the Anchovy Bandit. A los 16, fiel a su naturaleza inquieta, dejó la secundaria de Narbonne (de Harbor City, California) para estudiar actuación en la compañía de teatro James Best. Tiempo después, Tarantino tendría la oportunidad de poner en práctica lo que había aprendido, actuando en films como Little Nicky: el hijo del Diablo y en series como Alias.

Su ópera prima, Perros de la calle, iba a ser originalmente filmada con un presupuesto de 30 mil dólares. Sin embargo, cuando el actor Harvey keitel se sumó al proyecto, pudieron subirlo a casi un millón y medio. El film se estrenó en Sundance en 1992 y produjo un fuerte impacto, al punto de convertirse en una película de culto y en uno de los máximos exponentes de la realización independiente. ¡Hasta se hizo un videojuego!

Cinéfilo hasta los dientes, Tarantino evoca desde sus propias películas distintos períodos y géneros del séptimo arte, como el western (Kill Bill), el cine blaxploitation (Jackie Brown) y los filmes clase B de los cines continuados (Grindhouse). Posiblemente su trabajo en un videoclub de Manhattan, donde conoció al también futuro director Roger Avary, fue lo que incrementó su pasión por el disfrute compulsivo de películas.

Ser un soltero empedernido no le impidió estar románticamente relacionado con actrices como Mira Sorvino y la francesa Julie Dreyfus, y con directoras como Sofia Coppola y Allison Anders. También se lo vinculó con Uma Thurman, pero él respondió que su amor hacia ella era estrictamente platónico. Tarantino no duda en llamarla su "musa" cada vez que puede.

Fue arrestado en una oportunidad por no pagar sus multas de estacionamiento. Pasó una semana en la cárcel compartiendo una celda con más de veinte detenidos. Esta experiencia lo afectó hasta tal punto que al poco tiempo escribiría el guión de Asesinos por naturaleza, que luego sería alterado notoriamente por el director Oliver Stone.

Dixit

Religión: "Las películas son mi religión y Dios es mi guía. Tengo la suerte de no tener que hacer películas para pagarme la piscina. Cuando filmo, quiero que eso signifique todo para mí, como si estuviera dispuesto a morir por ello".

Violencia: "Los medios siempre han dicho que mis películas hacen que los chicos sean más violentos. Yo no lo creo así. Quizá los conviertan en directores violentos, pero ése es otro tema".

Coleccionismo: "Si sos un fanático del cine, coleccionar videos es como consumir marihuana y los discos láser son como la cocaína. Yo me sumergí en ese mundo y tengo una gran colección de films, de la cual estoy muy orgulloso".

Kill Bill: "Se supone que tiene que ser divertida y poética al mismo tiempo, e incluso un poco solemne. Se trata, entonces, de una combinación de sensaciones: divertimento, solemnidad, belleza, desagrado... todo al mismo tiempo".

Fama: "Ya no puedo hacer algo que me encantaba: ir a videoclubs, mirar todo lo que tienen, intentar conseguir spaghetti westerns; eso ya desapareció".

Futuro: "Espero poder darles al menos quince años más de films. Luego, mi plan es retirarme, abrir un pequeño cine en un pueblito y ser 'el loco viejo de las películas'".

Pulp Fiction: "Nunca haría una secuela de esa película, pero sí me gustaría mucho volver a utilizar sus personajes en algún momento".

Juliette Binoche

2007-06-23T11:30:00.000-07:00

"No me considero una de las grandes mujeres de Francia: George Sand, Marguerite Duras y Simone de Beauvoir, ellas sí lo son". Modestia a cargo de una de las actrices que, aun a pesar suyo, el tiempo sabrá ubicar entre las más distinguidas de la rica cultura de su país. Si es que ya no lo hizo, porque no es ninguna novedad que su carrera estuvo vinculada siempre con el buen cine de autor. Basta con decir que su primer protagónico estuvo apadrinado por Jean-Luc Godard en Yo te saludo, María (1985), film en el que hacía las veces de Virgen María; o con mencionar Apasionados (André Techiné, 1985), La insoportable levedad del ser (Philip Kaufman, 1988), Los amantes de Pont-Neuf (Leos Carax, 1991) o Una vez en la vida (Louis Malle, 1992). Basta con rememorar alguno de los magníficos fotogramas de Blue (1993), el primer eslabón de la personalísima trilogía del polaco Krzysztof Kieslowski, que más tarde daría a luz Blanc (1994) y Rouge (1994) -Juliette lideró la primera entrega y participó de las otras dos-... ¿Qué actriz en su sano juicio no quisiera ostentar semejante currículum?... Y sin embargo ella ha hecho de la sensatez un culto: "Si una estrella es alguien que ilumina, puedo ser entonces una de ellas. Pero si una estrella es alguien que corre detrás del dinero y de las tapas de las revistas, prefiero no serlo, me parece una enfermedad".

Acento francés, estilo europeo, indócil para los estereotipos, difícil de americanizar; así es Juliette. De aquí la sorpresa cuando se descubrió en el escenario del Kodak Theatre empuñando el Oscar que la Academia le tenía reservado por su actuación en El paciente inglés (Anthony Minghella, 1996): "No tengo ningún discurso preparado. Pensé que se lo llevaba Lauren [Bacall, contricante de rubro]", alcanzó a decir tímidamente.

Leyes del deseo

2007-06-23T11:14:00.000-07:00

Closer es una historia en la que el amor es sinónimo de dolor. Cuatro actores deslumbrantes -Natalie Portman, Julia Roberts, Jude Law y Clive Owen- dan vida a Alice, Anna, Dan y Larry, cuatro personajes egoístas que aman en la misma medida que hieren. Las dos mujeres hablan de sus personajes.

"Una de las cosas más lindas del guión es que Alice crea en los demás la impresión de que ella es la honesta, la más pura, casi una víctima, pero al final hay un clic que te da el valor real de esa persona y te obliga a revisar el juicio que previamente te habías hecho sobre ella, y a reelaborarlo. En ese momento te das cuenta de que hay diferentes tipos de traición. Alice no establece categorías morales sobre lo que está bien o mal, sobre lo que es verdad o mentira. No hay normas y, paradójicamente, aunque ella es la que traiciona de una manera más drástica, su traición no hace daño a nadie." Natalie Portman

"Como espectadora parcial puedo entender que Anna sea considerada culpable. Sin embargo, hay que comprender cómo llega a esa situación de adulterio. Ama a su compañero, a su marido, pero no puede dejar de engañarlo con otro hombre. Es siempre la dicotomía entre lo sentimental y lo sexual, lo que una persona te da o no... ¿Es lo ideal tener dos personas que te den todo lo que necesitás y que por separado no pueden o saben darte? No lo sé...." Julia Roberts

Closer

Origen: EE.UU.

Género: Comedia dramática

Director: Mike Nichols

Elenco: Julia Robers, Jude Law, Clive Owen, Natalie Portman

Síntesis: Un escritor inicia una relación con una bailarina pero luego se enamora de una fotógrafa, quien a su vez, gracias al escritor, conoce a un dermatólogo, con quien se casa. Los cruces entre los cuatro estarán teñidos de engaños y recelos.

Tim Burton

2007-06-23T10:16:00.000-07:00

Nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California (Estados Unidos).

Director, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de gran impronta visual con personales historias, muchas de ellas humedecidas en humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor.

Tim es hijo de la comerciante Jean Burton y de Bill Burton, un ex jugador de béisbol y trabajador del parque de su localidad natal, Burbank. Desde niño el mundo del pequeño Burton se nutría de cómics y antiguas películas de terror y fantasías, entre ellas las protagonizadas por su gran ídolo, Vincent Price, disfrutando de las adaptaciones que Roger Corman hizo de uno de sus escritores favoritos, Edgar Allan Poe.

Desarrolló en su juventud un gran talento para el dibujo, estudiando animación en el Instituto de Arte de California a partir de 1979. La Disney, quien había becado a Burton en su segundo curso, lo contrató a comienzos de los años 80 para trabajar como animador para el famoso estudio durante sus primeros años de trayectoria profesional. En 1982 rodó su corto "Vincent" (1982), un título de seis minutos con apariencia expresionista y animación stop-motion en el cual aparecía como narrador el mísmisimo Vincent Price.Ese mismo año adaptó para televisión los cuentos de Aladino y la lámpara maravillosa y de Hansel y Gretel para televisión en la serie "Los cuentos de las estrellas".

En 1984 apareció, de nuevo en la Disney, uno de sus cortos más recordados, "Frankenweenie" (1984), una historia de humor negro que narraba en blanco y negro la historia de un joven llamado Víctor, quien, tras perder a su perro en un accidente de tráfico, decide revivirlo al estilo Frankestein."La gran aventura de Pee-Wee", que ya muestra el excelente proceder visual de su director y el protagonismo de un singular personaje, cuenta con la música de Danny Elfman, compositor que se convertiría en colaborador de todas sus películas.

"Bitelchus" (1988) lo emparejó por primera vez con el actor Michael Keaton en el papel principal. Era una comedia de corte fantástico con toques de humor negro que contaba con el co-protagonismo de Alec Baldwin y Geena Davis. Gracias al éxito de esta película Tim Burton salió del anonimato y comenzó a ser considerado por su indudable habilidad para construir singulares historias.

"Batman" (1989), la adaptación del famoso cómic ideado por Bob Kane, se convirtió en su título más taquillero. Sometido a los rigores de la historia desarrollado, el film despliega parte de la particularidad de su autor en el trato a los personajes y especialmente en la creación estética y atmosférica, con una sombría apariencia gótica.El mismo año del estreno de "Batman", Tim contrajo matrimonio con la pintora Lena Gieseke, de quien se divorciaría en 1992.

La siguiente década comenzaría con una de sus mejores obras y uno de sus trabajos más personales, "Eduardo Manostijeras" (1990), un cuento fantástico dotado de gran belleza y sensibilidad, que reunía muchas de las constantes estéticas y culturales de su autor. Estaba protagonizado por Johnny Depp, rostro usual en sus próximas películas.

Después de retomar las aventuras del hombre murciélago en "Batman vuelve" (1992), idear junto a Chris Buck la serie de dibujos animados "Family Dog" (1992), y producir y escribir "Pesadilla antes de Navidad" (1993), título de animación dirigido por Henry Selick, Tim estrenaría otra de sus cumbres como autor, "Ed Wood" (1994), un afectivo biopic sobre la figura denominado peor director de cine de todos los tiempos, Ed Wood Jr. El film conseguiría dos premios Oscar, uno al mejor maquillaje y otro para Martín Landau como mejor actor secundario por su estupenda encarnación de Bela Lugosi.

En 1996 vuelve a colaborar con Selick al producir "James y el melocotón gigante" (1996), una adaptación del conocido libro de Roald Dahl, y rueda "Mars Attack!" (1996), comedia de ciencia-ficción proyectada como tributo a las películas de serie B de los años 50.

Tres años después aparece "Sleepy Hollow" (1999), un film que trasladaba a la pantalla una historia creada por Washington Irving sobre un fantasmal jinete sin cabeza que causa terror en una pequeña villa del siglo XVIII. En esta ocasión, Burton rememora las películas de la Hammer y otorga un papel a Christopher Lee, uno de los nombres legendarios del estudio británico.

"El planeta de los simios" (2001) resultó decepcionante. La visión de la novela de Pierre Boulle carece de originalidad e inventiva visual, algo impensable en la trayectoria de su director.

Con "Big Fish" (2003), Tim Burton prosiguió su senda de adaptaciones, ahora llevando al cine un texto de Daniel Wallace. El siguiente será Roald Dahl y su libro "Charlie y la fábrica de chocolate", llevado con anterioridad al cine en los años 70 por Mel Stuart.

En cuanto a su vida sentimental y tras su separación de Lena Gieseke, Burton mantendría una larga relación con la modelo y actriz Lisa Marie, quien apareció en "Ed Wood" interpretando a Vampira, "Mars Attack", "Sleepy Hollow" y "El planeta de los simios".

En el rodaje de este último el vínculo entre Tim y Lisa se rompería, comenzando un noviazgo con Helena Bonham Carter.